De 100 bedste film-soundtracks nogensinde

Redaktørens note: Denne artikel blev oprindeligt offentliggjort i november 2017.

Følge satte sig for at tage et kig på, hvad der præcist gør et filmsoundtrack fantastisk, noget der virkede meget nemmere på papiret end i udførelse.

Vi fandt masser af soundtracks, der udmærkede sig ved at bruge subtile sange i periferien af ​​centrale scener, og vi stødte også på film, der droppede musikken direkte ind i historien, som en del af plottet eller endda som en karakter selv. Vi stødte på de film, der lavede hits ud af ellers obskure sange, mens vi også tog hensyn til film, der kaprede en populær sang og gjorde den umulig at skelne fra selve filmen. Endnu vigtigere så vi på lydsporene, der forbedrede filmen og gik hånd i hånd med dens tone og historie, hvilket gav dig større indsigt i centrale scener og karaktervækst.

Vi undgik musicals, bandfilm, koncertfilm og partiturer i denne henseende og fokuserede udelukkende på den bedste brug af populærmusik i film , gennemse film fra 60'erne helt op til 2017, indtil vi havde vores valg. Som med enhver liste af denne størrelse, er der bundet til at være uenigheder såvel som nogle soundtracks, der burde have nået snittet. Fortæl os, hvad du synes, vi gik glip af, men i mellemtiden kan du læne dig tilbage og tage en hvirvelvindtur gennem musikken i biografen med vores valg til de 100 bedste filmsoundtracks nogensinde.

–Doug Nunnally
Medvirkende forfatter

100. Juno (2007)

Jason Reitman og Diablo Codys finurlige drama om en mistilpasset teenager, der finder sig selv gravid i to måneder og beslutter sig for at få og adoptere sin baby, får en masse ting i orden. Et af dem er et soundtrack, der nærmest fungerer som en indvendig monolog for titelkarakteren. Mens Juno MacGuff måske graver den rå kraft af Iggy og hans Stooges, føles det som et langt bedre match at have indie-dyrlægen Kimya Dawsons bløde stemme og mærkelige tekster, der flyder ind under overgange, eller når Juno står over for et vanskeligt øjeblik. Så grebet af Dawsons musik var Reitman, at han fik hende til at genindspille instrumental og nynnen til brug for scener og gav Mateo Messina til opgave at bruge hendes stil som grundlag for de scorede dele af filmen. Det endelige resultat er et soundtrack af uforglemmelige øjeblikke som Juno og Paulie, der dueterer Anyone Else but You, og sidstnævnte fuldender sin morgenrutine til The Kinks' strålende A Well Respected Man. Guiden. - Matt Melis

99. Batman for evigt (nitten femoghalvfems)

Jo mindre der er sagt om Joel Schumachers Batman-film, jo ​​bedre, men der skal gives ros til soundtracket for hans første forsøg. Selvom kun et par af dets sange optræder i filmen, opfanger soundtracket bolden, Schumacher så afslappet faldt med en dyb melange, der hjalp med at illustrere Batmans grove natur, Robins bemyndigede galde, Riddlers maniske fordærvelse og Two-Faces knækkede nød – alt sammen effektivt fraværende i Schumakers påtrængende vision. Det rammer ikke helt det høje præg af Princes fortolkning, men takket være Seals powerhouse-sang og U2's overraskende perle kommer det bestemt tæt på. –Doug Nunnally

98. Karate Kid (1984)

Se, Karate Kid er dybest set Little Rocky. Du har fået instruktør John G. Avildsen bag kameraet igen, og hans kammerat Bill Conti tilføjede endnu en triumferende score for at få alle til at tro, at en underdog kunne stige til tops. Men ligesom enhver historie, der er pakket om til et yngre publikum, skal den være hip, og det er i bund og grund, hvad dette soundtrack er - i hvert fald for tiden. Selv dengang var der ingen, der lyttede til Joe Espositos You're the Best uden at synge ironisk med (helvede, det blev afvist af Rocky Balboa selv), men de rockede ud til Gang of Four (Desire) eller Broken Edge (No Shelter). Og selvom det er en forbrydelse, Bananaramas Cruel Summer blev udeladt, får du dit New Wave-fix med Commuter (Young Hearts) og Baxter Robertson (Feel the Night), to sange, der lovligt vil bule din sjæl. Voks på, voks af, mennesker. -Michael Roffman

97. Space Jam (nitten seksoghalvfems)

Her er noget, der ikke bliver diskuteret meget - soundtracket til Space Jam indeholdt fem Top 40-hits, hvoraf fire var Top 10-hits, der gjorde 1996 og 1997 til en tid, hvor du ikke kunne undslippe dette soundtrack, hvis du prøvede. Men den virkelige charme ved dette soundtrack ligger uden for hits, som fantastiske dance/hip-hop sange af Robin S og Salt-N-Pepa, selvom alt hvad du virkelig behøver at vide om dette soundtracks kvalitet er, at det fik Busta Rhymes, Coolio, LL Cool J og Method Man samarbejder alle om en sang om de skurke Monstars ... og den er helt fænomenal. –Doug Nunnally

96. Angus (nitten femoghalvfems)

Hvis vi taler om, at lydspor er emblematiske for midten af ​​90'ernes high school-oplevelse, er få så gennemprøvede og sande som Angus . På det tidspunkt havde hele grunge-scenen givet plads til en mere alternativ lyd med Green Day og Weezer førende. Ville du ikke vide det, de begge overskriften denne samling, hvad med Green Days mindesang J.A.R. (Jason Andrew Relva) tipper LP'en og Weezers You Gave Your Love to Me Softly, der sidder lige midt mellem Ash, Smoking Popes og The Muffs. Sjovt faktum: Sidstnævnte sang var ikke beregnet til soundtracket, da frontmand Rivers Cuomo oprindeligt skrev en sang til filmen med titlen Wanda (You're My Only Love), som blev afvist for at være en for streng fortolkning af filmen . Det er okay, ligesom Angus vandt de til sidst og løslod Pinkerton det følgende år. -Michael Roffman

95. Elizabethtown (2005)

Cameron Crowes meget udskældte afhandling fra 2005 om venlighed, tilgivelse, kærlighed og Manic Pixie Dream Girls kunne være blevet en punchline i sin egen tid, men et af dets mere varige indtryk er dens soundtrack, der er lavet specielt til at bringe Orlando Blooms selvmordstruede eks-sko designer (jep) tilbage fra randen. Gennem en blanding af Kirsten Dunsts kærlighed og en vidtstrakt playliste, herunder Tom Petty, Ryan Adams, My Morning Jacket, Lindsey Buckingham, Elton John, U2 og en lang række andre kendte og mindre navne, fungerer Crowe som den velvillige gud for hans film. kærlig verden. Bloom kan være fanget i en fiasko, men soundtracket ser lige frem mod klarere himmelstrøg. — Dominick Suzanne-Mayer

94. Times Square (1980)

du har sikkert aldrig set Times Square . Bare rolig. Ikke mange har. Selv nu er Allan Moyles punkrock-gaming-film en perle under radaren, på trods af dens kult. Dem, der har set det, husker sikkert dets banebrydende dobbeltalbum-soundtrack, der indeholder en who's who af punk og new wave-titaner omkring 1980, fra Talking Heads til The Cure, Gary Numan til Patti Smith. Som Våd varm amerikansk sommer komponist Craig Wedrenfortalte os for år siden, Times Square totalt revnede [undergrunden] åben. Det var en introduktion til vores musik, vores generations musik: den tidlige MTV hard rock top 40 og den nye bølge, der skete mellem 1979 og 1981. Med andre ord, en i det væsentlige en tidskapsel. -Michael Roffman

93. Stjælende skønhed (nitten seksoghalvfems)

Den italienske forfatter-instruktør Bernardo Bertolucci har nået seriøse højder i form af episk drama ( Den sidste kejser ) og provokerende, kontroversiel sensualitet ( Sidste tango i Paris ). Liv Tyler med hovedrollen fra 1996 Stjælende skønhed har måske ikke den kulturelle cache eller kritiske godkendelsesstempel fra hans mest elskede film, men alene lydsporets atmosfæriske, blå stemning fylder filmen med røgfyldt appel, der overskrider dens 90'er-bånd. Filmen finder melankolien i Cocteau-tvillingerne samt Mozart, Mazzy Star og Nina Simone. Filmen er hjemsøgt af poesi (Liv Tylers Lucy handler om hendes digtermors død), og soundtracket er ligeledes besat af skønheden i stille øjeblikke og subtile, svajende følelser. Men når stemningen går i stykker, som det uundgåeligt må, ville du være hårdt presset på at finde bedre eksplosioner end Stevie Wonders Superstition. - Lior Phillips

92. 500 dages sommer (2009)

500 dages sommer 's soundtrack fungerer som en sammenhængende gel, der sammensætter den usammenhængende fortælling, så du kan absorbere de ikke-lineære scener med bedre klarhed og kontekst. Selvom vi ved, hvordan det ender, giver The Temper Trap's Sweet Disposition os mulighed for at opleve kærlighedens vidundere, mens Hall og Oates' You Make My Dreams Come True hjælper med at illustrere dens fantasier. Det bedste tilfælde for musik, der bygger bro over kløften, er forventnings- og virkelighedsscenen, behændigt scoret af Regina Spektors Hero. Dine øjne farer mellem de to scener, der udspiller sig, men det er sangens skuffede tone, som du ikke kan undgå, og som hamrer scenens og soundtrackets sande indvirkning. –Doug Nunnally

91. De fortabte drenge (1987)

Det værste ved De fortabte drenge soundtracket er, at du skal forestille Tim Capello shirtløs, når du lytter til I Still Believe. Det er en latterlig sang, der fungerer meget bedre på skærmen, hvor vi faktisk kan se hans hunky, muskelsyge mavemuskler afspejle strandflammerne i Santa Carla, Californien. Ikke desto mindre er der masser af andre godbidder at sætte tænderne i på dette album, som kan være det mest bizarre skarn af musikere, der er samlet til hvad der tilsyneladende er en alty 80'er-film. Som, hvorfor dækker Echo and the Bunnymen The Doors' People are Strange

Hvis du skal skrive en film med en kamp om bandene i sin kerne, må du hellere være klar til at have et fantastisk soundtrack og nogle top-tier sangskrivere ombord for at sikre, at du faktisk kan bygge noget drama ind i den klimaktiske kamp. Til Scott Pilgrim vs. verdenen , Edgar Wright samlet et super-hold for at sikre, at begge sange blev valgt og komponeret til soundtracket ville rocke hårdt nok til bogstaveligt talt at kæmpe mod konkurrenter. Sangene til Scotts band, Sex Bob-Omb, blev skrevet af Beck, mens Broken Social Scene skriver og optræder som Crash and the Boys. Men lad os ikke glemme at kreditere skuespillerne: Michael Cera, Mark Webber, Alison Pill, Johnny Simmons og Erik Knudsen spillede faktisk alle instrumenter og sang til soundtracket, mens Sloans Chris Murphy trænede guitar. Tilføj dertil et stykke trampende klassisk rock (T. Rex, The Rolling Stones) og et partitur med Radiohead-bidragyder Nigel Godrich, Beck, Dan the Automator, Cornelius og flere, og Scott Pilgrim har den brave afstamning til at trække ud af sin musikalske indbildskhed. - Lior Phillips

89. Ghostbusters II (1989)

Hot take: Bobby Browns bedste sang er On Our Own. Det er ikke ironi. Det er ikke hyperbole. Det er en kold, hård kendsgerning. De facto temasang af Ghostbusters II trives af en sitrende glasur af New Jack swing, som ikke ville lyde så poleret og så frodigt, før Michael Jackson ville gå all-in på genren et par år senere på 1991'erne Farligt . Det er en total forbedring i forhold til Ray Parker Jr.s originale tema, som også får et ansigtsløft på dette soundtrack med et remix af den eneste Run-DMC. (Ikke overraskende er deres version bedre.) Andre steder bliver du slanket af lidt hiphop (Doug E. Fresh), noget veteranrock (Elton John, Glenn Frey) og en hel masse soul (Howard Huntsberry), alt sammen hvoraf skriger 1989. -Michael Roffman

88. amerikansk tærte (1999)

Hvad du skal blive ved med at fortælle dig selv, når du ser amerikansk tærte er det, ja, det er en film fra en anden tid. Ellers vil du have en aneurisme fra al den udbredte homofobi og det faktum, at dens mest ikoniske scene er direkte seksuel prædation. Alligevel, selvom filmen næppe holder stand, gør soundtracket det, og det oser af alverdens alt-rock fra slutningen af ​​90'erne, der nok vil være en stor kilde til nostalgi om et par år, hvis den ikke allerede er det. De, der også gik i gymnasiet i den æra, vil sandsynligvis stirre ud i det fjerne til Bic Runga's Sway, ligesom de vil boppe hovedet til Blink-182's Statens lavement perle Mutt. Det, der er mest sugende ved dette soundtrack, er dog alle de sange, der blev udeladt, fra Duke Daniels' Following a Star til Harvey Dangers Flagpole Sitta til filmens tilsyneladende tema, James' Laid. Nå ja. -Michael Roffman

87. Kærlighed og basketball (2000)

Alle gode kærlighedshistorier udvikler deres eget soundtrack, og den søde, røgfyldte, langvarige romantik mellem Sanaa Lathans Monica og Omar Epps' Quincy i Kærlighed & Basketball er ingen undtagelse. Karaktererne udvikler en tiltrækning gennem årtier, og alt imens de træner og konkurrerer. Ved at række tilbage til Zapp og Chaka Khan og gå hele vejen igennem til moderne R&B-jams som Bilals Soul Sista, afspejler soundtracket ændringer i intensitet og æra uden at miste tråden af ​​frustreret romantik. Og da de endelig finder ud af, at deres kemi virker uden for banen og går i gang, giver Maxwells This Woman's Work den søde og lune baggrund. —Adam Kivel

86. Morgenmadsklubben (1985)

Få, om nogen, moderne filmskabere tager ungdomstidens hverdag så alvorligt, som forfatter-filmskaber John Hughes engang gjorde. Hvor engageret var Hughes' Don't You (Forget About Me), fejrer han ikke bare endnu en tilbageholdelse færdig og overstået med eller endda sin nye kæreste, det er en gestus, der minder selv de mest skeptiske blandt os, at det virkelige liv nogle gange finder sted, hvor og når vi mindst venter. Det er noget, John Hughes vidste alt for godt. - Matt Melis

85. Amerikansk skønhed (2000)

Meget få midtlivskriser lyder så usædvanligt. For Lester Burnham, den sardoniske hovedperson i Sam Mendes' Amerikansk skønhed , denne forstadsfars rystende venstresving fra normalitet er til enhver tid smuk, overbevisende og medrivende. Der er Bill Withers, der bringer sjælen på Use Me, Elliott Smith, der matcher roen fra komponisten Thomas Newman med Fordi, og FM-jams af The Who (The Seeker) og Free (All Right Now). Generationskløften mellem alle akterne – umm, det svinger fra Bobby Darin og Peggy Lee til Gomez and the Eeels – virker næsten implicit, når man ser, hvordan dette er en film om en gammel mand, der forsøger at have sex med en ung kvinde – ridser det, en ung teenager. Ikke underligt, at Kevin Spacey vandt Oscar! -Michael Roffman

84. The Darjeeling Limited (2007)

Tre Kinks-sange glider ind mellem Bollywood-numre i Wes Andersons femte film for at fremvise tre amerikanske brødres visionsrejse gennem det indiske landskab. Owen Wilson, Jason Schwartzman og Adrien Brody sørger over tabet af deres far og er fanget i cyklusser af familiemæssig kamp, ​​men finder en ny fred sammen. Trioen bevæger sig fra at spekulere på, hvor de vil være This Time Tomorrow, til at opdage, at selvom de er Strangers, er de én på denne nye vej, til at tage fat i kampen mod Powerman-figuren, der altid håndhæver den status quo, der havde bevaret dem adskilt. Og som filmen fortsætter, bliver den indiske musik mindre mærkelig og mere essentiel for deres forhold. —Adam Kivel

83. Shaun of the Dead (2004)

Mens Baby chauffør styrkede Edgar Wrights uovertrufne evne til at gøre musik til en væsentlig karakter og del af fortællingen, fans af hans tidligere film - og råbe til Med mellemrum også - vil ivrigt forklare, at det altid har været tilfældet. Den første film i Three Flavours Cornetto-trilogien, Shaun of the Dead bruger både diegetisk musik og smart scoring til komisk og dramatisk påvirkning. Pete Woodhead og Daniel Mudford skabte partituret til ære for klassiske zombie- og horror-soundtracks, fra John Carpenter-vibes til Goblin-intensitet. I mellemtiden, high-wire koreografi af Baby chauffør er forudsat af (blandt andre scener i Wrights filmografi) en strålende scene, hvor Shaun, Ed, Liz og co. bekæmp zombier i Winchester, som var blevet trukket ind af en defekt jukebox, der ikke ville stoppe med at spille Queen's Don't Stop Me Now. —Adam Kivel

82. Midnat Cowboy (1969)

Ligesom selve filmen, soundtracket til Midnat Cowboy er en ambitiøs affære med en samling sange, der kombinerer country-folk-instrumentaler og en række rockstilarter, fra den radiovenlige rocklyd (inklusive et cover af en fantastisk tidlig Warren Zevon-sang) til mere ekspansive psykologiske udforskninger, som alle hjælper udforske historiens komplicerede psyke. Blandingen hjælper også partiturstykkerne til at give genlyd og sætter scenen for den ikoniske Everybody's Talkin', der fører til den første Grammy for både Harry Nilsson og den legendariske komponist John Barry. –Doug Nunnally

81. Top Gun (1986)

Hvad angår 80'ernes film soundtracks, Top Gun er måske ikke det bedste i årtiet, men det er absolut blandt de mest mindeværdige. Som ovenstående albumcover antyder, er det i det mindste deroppe med det bedste af det bedste. Tony Scotts film er draperet i høj, næsten konstant popmusik, men det er de to klassikere fra filmens soundtrack, der er kommet til at definere filmen endnu mere, end al den velskudte, ofte homoerotiske action på hånden nogensinde kunne have haft. Kenny Loggins tilbød en ny vej til Amerika på motorvejen til farezonen, hvor Tom Cruises dygtigste pilot bor og eksisterer i alle hans sysler. Og ikke alene understregede Berlins Take My Breath Away hver af filmens mange illustrationer af den totalt hetero passion, der involverede Cruise og Kelly McGillis' programinstruktør, men det blev en af ​​de største powerballader i årtiet, der definerede formen. Læser du dette nu? Der er som en 40 % chance for, at du blev lavet til tonerne af Take My Breath Away. Tillykke. — Dominick Suzanne-Mayer

80. Mo’ Better Blues (1990)

Som film, Mo’ Better Blues er måske ikke et af Spike Lees mere fremragende værker, men det indeholder ubestrideligt et af hans bedste soundtracks. Branford Marsalis-kvartettens arbejde her spiller en afgørende (man kan endda sige instrumental) rolle i Lees film, og skildrer fremkomsten og faldet af Denzel Washingtons Bleek med livlige, improvisations-følende jazzriffs af enhver art. Plus, hvor ofte kommer du til at høre Washington, Gang Starr og Wesley Snipes optræde over jazzmusik

Sofia Coppolas misforståede, anakronistiske 2006-version af den sidste dronning af Frankrig før revolutionen taler dekadencens sprog, som kun en Coppola-film kunne. Alligevel er dens soundtrack, som oprindeligt ramte nogle lyttere, en af ​​de store af aughts, en øvelse i melankolske poplyde, der formår at kommentere en hedonistisk æra ved hjælp af lydene fra en anden. New Order, Bow Wow Wow, The Radio Dept. og et væld af andre kunstnere tilføjer de frodigt udsmykkede omgivelser og glorificerer i en æra med overskud, selv når det nærmer sig sin pludselige, voldelige og uundgåelige afslutning. Det er et popsoundtrack til verdens ende, som mange kendte det. –Dominick Suzanne-Mayer

78. Hvor de vilde ting er (2009)

Otte år senere er vi stadig med jævne mellemrum forvirrede over, at Warner Bros. gav Spike Jonze 100 millioner dollars i studiepenge for at lave, hvad der kan være en af ​​de mest triste film, der nogensinde er rettet mod børn. Endnu Hvor de vilde ting er er hver cent værd, en oprigtigt magisk smule smertefuld fantasi og en af ​​de bedre illustrationer af barndommens frygt og angst, der nogensinde er sat på filmlærreder. Soundtracket, af Karen O and the Kids, øger den magiske realisme i Jonzes spillefilm, der omhandler enkle og resonansfulde melodier, der overskrider sangen fra O's vokal, som giver den samme smertefulde snert til filmens sparsomme, enkle ballade, som hun ofte gjorde for at selv noget af Yeah Yeah Yeahs' mest bidske arbejde. Det er et perfekt ægteskab mellem kunstner og kunst, et lydbillede, der supplerer og tilføjer til den allerede vidunderlige film, som den er forbundet med. — Dominick Suzanne-Mayer

77. Boomerang (1990)

Et perfekt øjebliksbillede af tidlig 90'er R&B, Boomerang 's soundtrack fangede skiftet af den musikalske vagt, og viste stolt New Jacks swings vidundere, mens de så den ekspansive hiphopsjæl, der skulle komme. Både filmen og soundtracket havde varig effekt på industrien, og lancerede i det væsentlige Halle Berry og Toni Braxtons karrierer, mens de også gav rigelig eksponering for en vaskeri liste over kunstnere, der ville fortsætte med at fylde 90'ernes lærred og sendeflade: Martin Lawrence, Boyz II Men, Tisha Campbell, TLC, Chris Rock, A Tribe Called Quest. –Doug Nunnally

76. Pæn i pink (1986)

Pæn i pink er måske ikke altid i toppen af ​​nogens John Hughes magtrangering, men det er altid en konsekvent top fem, en vild fortælling om ung kærlighed, der står som en af ​​hans direkte sjovere film. Men måske mest mindeværdigt, i hvert fald for nogle, er filmens new wave-soundtrack, et, der gjorde OMD's If You Leave til et hit på hitlisten og introducerede en del unge amerikanere til New Order og Echo and the Bunnymen. Det er alt for at sige ingenting om det titulære Psychedelic Furs-nummer, den slags sang, der fanger 80'erne i al dens poppy-overskud i løbet af blot et par korte minutter. Duckie havde også meget mere at tilbyde end Blaine på lang sigt. Nej, vi har ikke sluppet dette endnu. –Dominick Suzanne-Mayer

75. Onde hensigter (1997)

Overlad det til en film om prangende seksuel afpresning for at fremkalde nogle store filmiske spændinger, noget den gør så godt, at den undgik den bløde kerne-præference for dens sleske efterfølgere. Med til at opbygge den subtile abstraktion er filmens overraskende rige soundtrack, et, der hovedsageligt kredser om en genre, der ubesværet mestrede evnen til at være livlig og foragtende på én gang: Britpop! Tidens alt-rock får også sin tid til at skinne her, specifikt Counting Crows' vidunderligt dystre Colorblind, men igen lykkes filmen fra Britpops ryg, et faktum, der er solidt bevist af den teatralsk katartiske slutning, der er fejlfrit sat til The Verves Bittersweet Symphony. –Doug Nunnally

74. Apokalypse nu (1979)

Tænker tilbage på Apokalypse nu , filmen bliver i det væsentlige en række skræmmende Nam-flashbacks, i høj grad takket være soundtracket. Instruktør Francis Ford Coppola og hans bror Carmine arrangerede soundtracket som helhed, men de mest mindeværdige oplevelser kommer på et øjeblik: soldaterne bruger Wagners Ride of the Valkyries på deres helikopterindgang for at skræmme Vietcong, en amerikaner, der danser med overkrop til Rolling Stones' Tilfredshed, når deres båd sejler ned ad floden, og The Doors' The End spiller over en montage af ødelagte skove og forkullede slagmarker. Gennemgående viser disse angiveligt triumferende og bombastiske sange i stedet hybrisen og frygten fra Vietnamkrigen. Soundtracket afspejler den følelse såvel som nedstigningen til vanvid, alt livet løber ud af musikken i en rædselsfuld, kraftfuld oplevelse. —Adam Kivel

73. Spring Breakers (2012)

Harmony Korines pop-trash-mesterværk gør det tidligere utænkelige: det gør Skrillex til høj kunst. Korines krønike om spildt ungdom (i enhver forstand) er måske beskidt, profan og mere end lidt slibende, men den taler også dets uudholdelige hovedpersoners hedonistiske, stort set tøffe sprog. For at sætte tonen vasker Korine filmen i trashy EDM-overskud, en genre, han matcher visuelt ved skuddet, og trækker den ægte følelsesmæssige resonans frem af synth-stammerne under With You, Friends, selv mens han sarte kommenterer på, hvor ulækkert hele facaden egentlig er. er. Og for helvede, lige meget hvad du laver om filmen, vil vi vædde penge på, at du ikke har glemt det sublime vanvid ved James Franco, der synger ind i Britney Spears' Everytime, mens filmen sporer ham og en flok egensindige unge kvinder gennem en streng. af røverier i det nordlige Florida. –Dominick Suzanne-Mayer

72. Vild stil (1983)

Få regioner vil nogensinde have et legitimt krav på virkelig at køre hiphop-spillet på den måde, som South Bronx gjorde i genrens tidlige dage. Og mens Vild stil er måske ikke en filmklassiker i sig selv, den er en af ​​de absolutte hjørnesten i rapkulturen på film, om ikke andet for dets ikoniske soundtrack, der nu fungerer som et retrospektivt udstillingsvindue for kunstnerne og lydene af, hvad der skulle vise sig at være en af århundredets vigtigste musikbevægelser. Det er måske ikke fyldt med velkendte navne, på den måde som så mange andre hiphop-soundtracks på denne liste byggede deres arv, men at høre Vild stil er at høre tilblivelsen af ​​rapmusik, som vi kender den i dag. Hvor mange andre film kan gøre krav på sådan noget

Musik spiller en stor rolle i Vægblomst , størkner karakterens bånd og skrider frem i historien. Da filmbegrænsninger er, hvad de er, er det ikke helt så konkretiseret, som det er i Stephen Chbsokys roman, men filmen mere end kompenserer for dette med blændende scener sat til klassiske sange, mens de mere subtile parringer forbedrer historien. Cracker's Low introducerer modigt gruppen, mens New Order's Temptation følger en Rocky Horror erfaring og Cocteau Twins' Pearly-Dewdrops' Drops monterer smukt det bittersøde farvel. Alle peger på den dybere betydning af hver scene, hvilket gør den klimatiske scene så virkningsfuld og opdagelsen af ​​tunnelsangen så triumferende. –Doug Nunnally

70. Reglerne for tiltrækning (2002)

Overraskelse, overraskelse: En film baseret på en Bret Easton Ellis-bog har en fantastisk sans for tone og lyd. Mens Reglerne for tiltrækning kan være en af ​​de mere ukendte tilpasninger af Ellis' værk, men det slår også den narkoladede ennui af hans historiefortælling bedre end de fleste. Afgørende for det er det slørede soundtrack, som taler til en helt særlig form for college-oplevelse: artikuleret, erotisk og helt og aldeles grusom efter et stykke tid. The Cure, Harry Nilsson, Love and Rockets, og endda Yaz understreger, hvad der må være en af ​​de mere enestående teenager-/unge voksenfilm fra de allerhøjeste, hvilket skaber et soundtrack, der taler til melankolien under selv de mest hedonistiske liv. –Dominick Suzanne-Mayer

69. Stjernetegn (2007)

En del af det, der gør David Finchers historiske thriller fra 2007 Stjernetegn så overbevisende er dens evne til at formidle tidens gang. Dette er et afgørende element i en historie, der omhandler besættelse, og hvad den besættelse vil gøre ved den menneskelige psyke. Ud over visuelle signaler, som den fascinerende konstruktion af San Franciscos skyline, lænede Fincher sig også tungt på et soundtrack, der spænder over flere årtier og fanger tidsånden fra hver respektive æra: Three Dog Nights melankolske cover af Easy to Be Hard tilføjer en fredelig sammenstilling til en spøgende åbningsscene pynter Santana's Soul Sacrifice journalistlivets stress og jag, Marvin Gayes Inner City Blues (Makes Me Wanna Holler) siger alt, hvad Mark Ruffalos besejrede detektiv ikke kan, og Donovans Hurdy Gurdy Man er denne films Goodbye Horses . Uhyggelige ting. -Michael Roffman

68. Ghostbusters (1984)

I årti med store temaer skabte Ray Parker Jr. et af de absolut bedste. Så smittende, de fleste købte soundtracket til den ene sang alene, selvom de ville være blevet positivt overrasket over resten af ​​soundtracket. Kort, men mindeværdigt, det indeholdt udvalgte klip fra Thompson Twins og Laura Branigan, alle i stand og villige til at filme plottet med i denne livlige komedie. Den virkelige perle er dog Mick Smiley's Magic, som mørkt understreger en fantastisk montage, der skifter tonen fra komisk tumult til presserende krise ... eller så meget du kan med Bill Murray og Rick Moranis omkring. –Doug Nunnally

67. Havestaten (2004)

Efterhånden er masser af menneskers liv blevet ændret af sarkastiske vittigheder om, hvordan Shins vil ændre deres liv, men lad os være ærlige: når Havestaten først kom ud, det øjeblik bar en smule magi. Og ud over New Slang passer soundtracket både til Zach Braffs melankolske, men søde verdensbillede og vendte så mange seeres ører til en hyggelig sweater, følelsesladet mærke af indierock og folk. Simon og Garfunkels Only Living Boy i New York fungerer som en spirituel kerne, en ensom sødme, der gennemsyrer takket være ekkokammervokalen. Derfra fortsætter valgene fra Colin Hay til Thievery Corporation den melankolske stemning gennem tiden og finder til sidst noget liv i Iron and Wines Such Great Heights-cover. - Lior Phillips

66. Reservoir Dogs (1992)

Quentin Tarantinos Reservoir Dogs vendte krimi-thriller-genren på hovedet på så mange måder: den ekstreme vold, den ikke-lineære historiefortælling, besættelsen af ​​popkulturen. Ikke helt så hurtig til at få opmærksomhed var den unge instruktørs usædvanlige brug af musik - i dette tilfælde Super Sounds of the 70s Weekend som spundet af monotone radiovært K-Billy. Det er ikke kun, at Tarantino udvælger gamle 70'er-sange til en 90'er-krimi, men at han indlejrer dem i filmen via et radioprogram. Gennem K-Billy får vi en fornemmelse af den verden, som disse mænd lever på kanten af, vi ser den berømte åbningstitel til Little Green Bag, og i en af ​​de mest sadistiske scener i moderne biograf, Stuck in the Middle med You soundtracks Mr. Blonde torturerer en mor politibetjent. Had ham eller elsk ham, Tarantinos blanding af popkultur, i dette tilfælde golden oldies, og vold forbliver en enestående æstetik. - Matt Melis

65. Empire Records (nitten femoghalvfems)

En kultfilm, der foregår i en pladebutik, der kæmper for sin uafhængighed i lyset af indtrængende rekk-inducerende pop, Empire Records er stærkt afhængig af sit soundtrack for at etablere troværdigheden. Hvis sangene på pladen ikke var tilstrækkelig fede, ville produktionsteamet ligne en hel flok Rex Mannings, der forsøgte at tude ind på teenagemarkedet. Den 90'er-smagende flok Better Than Ezra, the Cranberries, Toad the Wet Sprocket og Cracker betegner bestemt det kølige i et bestemt øjeblik, mens dengang usignerede numre som The Martinis, Please og Coyote Shivers giver noget indie cool. Og som kirsebær på toppen af Empire Records sundae, Liv Tyler synger backupvokal på Lemonheads frontmand Evan Dandos cover af Big Stars The Ballad of El Goodo, som nu ligner nostalgi, der bliver helt nostalgisk. At besætte nutiden, prøve at afkøle hinanden og finde skjulte ædelstene fra fortiden virker alt sammen ret passende for en flok børn, der arbejder i en pladebutik, uanset om det var i 70'erne, 90'erne eller i dag. - Lior Phillips

64. Menace II Society (1993)

Gangsta-rap blev en af ​​de mest misforståede og udskældte kulturelle bevægelser i 90'erne, hvis ikke måske den allermest. Hughes Brothers' film føles næsten reaktiv over for tidens hvide forstadsfrygt på flere måder, idet de maler et autentisk portræt af indre bys konflikt, liv og død, der på én gang kalder på empati og også kalder på manglen på nødvendigheden af udenforstående kan forstå. Filmens klippe-efter-klippede soundtrack fungerer gennem tidens grove, aggressive lyde, og det inkluderer ikke engang filmens brug af Ice Cube, N.W.A og en række andre kunstnere, der ikke er inkluderet på albummet. Det meste af soundtracket, som det står, er oversvømmet af tidens vestkystlyd, alt sammen afslappet produktion som rygraden i så mange fortællinger om vold. Det er et stemningsstykke, og perfekt i sync med den film, den er sat til. –Dominick Suzanne-Mayer

63. Forrest Gump (1994)

Selvom Tom Hanks selvfølgelig er den absolutte kerne i enhver film, hvor han medvirker, så meget af de tunge løft i Forrest Gump er lavet af soundtracket. Filmen finder Hanks' Gump, der lever livet på en eller anden måde i centrum af amerikansk historie, fra Hound Dogs tidlige dage til Jefferson Airplane's psykedeliske Vietnam-protest til Motown og blåøjet sjæl. Ved at have licenseret nok musik til at lave et 34-sangs soundtrack, var instruktør Robert Zemeckis i stand til fuldt ud at jorde den finurlige historie og gådefulde karakter i et øjeblik, som enhver kan forbinde sig til og finde sig selv i. Som et soundtrack i sig selv er det ingenting mind-blowing (at lytte til double-disc-affæren er ikke langt fra oldies radiostation), men det fungerer perfekt som et ubesværet fortælleværktøj. —Adam Kivel

62. Royal Tenenbaums (2001)

Soundtracket til hver Wes Anderson-film går på stram snor mellem ultraikoniske øjeblikke og en konsekvent tonal gennemgang. For at opnå den følelsesmæssige dybde vender Anderson ofte tilbage til 60'erne og sit mangeårige partnerskab med Mark Mothersbaugh. Royal Tenenbaums finder den balance mesterligt, idet han passer hans fortidstilbøjelige musikalske tendenser ind i fortællingens fokus på generationerne af en familie, der er fanget i deres fortids kampe. Den forbudte kærlighed til adoptivsøskende Margot og Richie udspiller sig i filmen i et par Nico-sange: den cykliske smerte i disse dage og potentialet for en ny dag i Årstidernes smukkeste. Richies selvmordsforsøg parret med en sang fra Elliott Smith - der tog sit eget liv ikke længe senere - fordobler tragedien. - Lior Phillips

61. 24 timers festfolk (2002)

Selvfølgelig vil et soundtrack til en film om et indflydelsesrigt indie-label være fantastisk, men det, der gør denne virkelig betydningsfuld, er, hvor loyal den dækker den omkringliggende scene. Ja, Joy Division, New Order og andre Factory-talenter dominerer soundtracket, men det sætter også fokus på andre Manchester-acts, fra A Boy Called Gerald til 808 State, såvel som udenlandske pionerer, der bidrog til Madchester-svulmen. Soundtrackets bedste kvalitet er dog at vise punkens begyndende rolle i oprindelsen af ​​acid house, hvilket hjælper med at bygge bro mellem disse to vildt forskellige lyde. –Doug Nunnally

60. Varme (nitten femoghalvfems)

Ligesom Cameron Crowe har Michael Mann en tendens til at scrapboge sine soundtracks. Med få undtagelser er hans film traditionelt scoret af et lummert lydbillede af utroligt forskellige kunstnere, lige fra komponister til producere til bands. Hans magnum opus fra 1995, Varme , er som en super slank, stålbelagt tidskapsel fra æraen, der simrer med utallige lyde fra banebrydende bagmænd som Elliot Goldenthal, The Kronos Quartet, Brian Eno, Lisa Gerrard og Moby. Vores foretrukne veganske DJ leverer det sidste følelsesmæssige slag med God Moving Over the Face of the Waters, uden tvivl den mest elegante instrumentalkomposition fra 90'erne. Det kan dog ikke siges nok, hvor afgørende Terje Rypdals seksstrengede angst er for historien om Robert De Niros McCauley, hans grublende kompositioner - især Mystery Man - går ned som Jameson på klipperne. -Michael Roffman

59. Han fik spil (1998)

Sidste gang Spike Lee plagede Public Enemy for en hymne - helt tilbage i slutningen af ​​80'erne for Gør det rigtige – Chuck D og besætningen leverede Fight the Power, uden tvivl den bedste hiphop-sang, der nogensinde er sat til at vokse. Det er tilstrækkeligt at sige, at Lee vidste, hvor han skulle henvende sig, da han var på jagt efter mere magi Han fik spil , hans berømte joint om en højt rekrutteret high school basketballspiller og hans fængslede far. Ikke nok med at Public Enemy dropper uden tvivl deres bedste album siden Frygt for en sort planet at bære byrden med komponisten Aaron Coplands orkesterstykker, men de bygger også filmens tema omkring et af de mere inspirerede eksempler på deres karriere, For What It's Worth. Yeaaaa Boyeeee. - Matt Melis

58. Waynes verden (1992)

At omdanne en otte minutters tilbagevendende sketch til en 90-minutters teaterfilm er ingen nem opgave. Og når din film har Wayne Campbell og Garth Algar i hovedrollerne – medværter for det musikbaserede Aurora-kabeladgangsprogram Waynes verden - det lydspor må hellere klage. Du kan ikke bare smide et dusin numre af The Shitty Beatles og kalde det en dag, Chet. Men ingen bekymringer der, min ven. Soundtracket klatrede hele vejen til nr. 1, og meget af det havde at gøre med bindinger til nogle af filmens mest mindeværdige scener: Ud over Crucial Taunt-optrædenerne var der klassiske øjeblikke som headbanging i Mirth Mobile til Bohemian Rhapsody, Wayne, der fantaserer om Cassandra (schwing) med Dream Weaver-briller, og, måske bedst af alt, Garth, der chatter med en foxy dame hos Stan Mikita med Jimi Hendrix som en lille wingman. Har nogen anden film skabt flere uudslettelige vittigheder omkring klassiske rock hæfteklammer end Waynes verden ? Hvis det er tilfældet, så lad det hæve og blive regnet for værdigt. - Matt Melis

57. Jomfru selvmord (1998)

Sofia Coppola beviste tidligt, at hun ikke var fremmed for kraften i soundtracket. Hendes 1999-tilpasning af Jeffrey Eugenides’ bedst sælgende roman, Jomfru selvmord , rullet igennem med et par klokkebunde og en kurv af melodier, der ikke bare var groovy, men direkte cool. Ud over at trykke på det franske tøj Air for at score billedet, satte Coppola en blændende blanding af epoke-specifikke stunnere sammen, som alle er perfekte til solbeskinnede eftermiddage tilbragt uden for et voldeligt forstadshjem. Mellem The Hollies og Todd Rundgren, Al Green og ELO er der nok 70'er-poesi her til at ætse på fire dusin skoleborde i træ. Det er bemærkelsesværdigt, at mere moderne billetpris fra Air og Sloan blander sig lige ind med lethed - som Marty McFly. -Michael Roffman

56. Juice (1992)

Mens film som Over kanten trivedes med Tupac Shakurs optagelse på soundtracket lige så meget som hans hovedrolle, soundtracket til Juice spænding på trods af legendens manglende medtagelse. Men når du har en lineup med Eric B. & Rakim, Big Daddy Kane, Too Short og flere, kan du slippe afsted med bare at lade Tupac optræde som ansigtet på dit krimi. Soundtracket indeholdt hitlisterne fra Naughty by Nature, Teddy Riley & Tammy Lucas og Aaron Hall - for ikke at nævne hotte navne som Salt-n-Pepa, EPMD og Cypress Hill. Den mangeårige filmfotograf af Spike Lee, Ernest Dickersons debut som instruktør følger fire unge sorte mænds kampe i Harlem, hvor bandevold på tragisk vis river dem fra hinanden. Soundtracket følger deres vækst og ødelæggelsens nuancer, hvilket giver en umådelig kraftfuld fornemmelse af sted, mens spændingen ruller med lavt kogepunkt i de tidlige 90'ers New York. —Adam Kivel

55. Uvidende (nitten femoghalvfems)

Hvordan har en film om privilegerede unge i Beverly Hills bevaret sin tiltrækningskraft gennem to årtier

På nuværende tidspunkt har vi allerede nævnt Cameron Crowe, og hvordan han er et vidunderbarn, når det kommer til lydsporets kunst. Nå, hans store debut kom langt tilbage i 1982 med Amy Heckerlings tilpasning af sin bog, Hurtige tider på Ridgemont High . Mens selve soundtracket mangler størstedelen af ​​filmens mest ikoniske numre - Tom Petty, Go-Gos, The Cars og Led Zeppelin - var fyren så god til sit job, at man næsten ikke lægger mærke til det. Hvordan kunne du, når du flytter fra Jackson Browne (Somebody's Baby) til The Ravyns (Raised on the Radio) til Stevie Nicks (Sleeping Angel) til Oingo Boingo (Goodbye, Goodbye). Det er en samling, der taler til den tids forbigående karakter, især skiftet fra 70'er rock til 80'er new wave. På grund af dette får musikken en personlighed, der er i tråd med filmens slyngelstater galleri af slappere og surfere. Okay, Cameron! -Michael Roffman

53. Risikofyldt forretning (1983)

Joel, som mange unge mænd fra velstillede familier, har hele sit liv kortlagt for sig af sine forældre. Så da de tager på en kort tur, ser han endelig en chance for at sige hvad fanden og løsne lidt op. Til sidst bytter han sine Tangerine Dream-drevne våde drømme ind og danser i et af filmens mest genkendelige øjeblikke i sit undertøj til Bob Seger for noget lidt mere risikabelt. Nemlig joyrider til Jeff Beck i fars Porsche og et varmt-koldt/forretningsmæssigt forhold til en prostitueret, der vil elske på et L Train, når som helst hun hører Phil Collins' In the Air Tonight. Hvorfor var gymnasiet ikke sådan for os? Vi har vist glemt at sige, hvad fanden! - Matt Melis

52. Boyz in the Hood (1991)

Apropos rap-lyde, der definerer et årti, Boyz n the Hood introducerede den slags åbenhjertige vision om et andet Amerika, der ville afføde utallige samtidige og imitatorer i det følgende årti. Som sådan skylder de adskillige andre rap-drevne soundtracks på denne liste en vis gæld til den breakout-succes af soundtracket til John Singletons film. Med en blanding af samplevenlig R&B og hiphop fra 2 Live Crew, Hi-Five og Ice Cube i et nummer knyttet til hans stjerneskabende optræden, Hætte Soundtracket er på alle måder et produkt, og innovator, af sin tid. –Dominick Suzanne-Mayer

51. Goodfellas (1990)

Musik er iboende i alle Martin Scorceses film, og Goodfellas er ingen undtagelse. Til hans pøbelmesterværk fra 1990 skrev ol' Marty og medforfatter Nicholas Pileggi en række af sangene ind i sit manuskript, og optog endda visse scener med den respektive sang, der spillede på settet (se: hele montagen sat til Layla). Så odds er, at hvis du lytter til et nummer fra soundtracket, kan du stort set huske, hvad der skete på skærmen. For nogle tager den strenge kombination af lyd og skærm ofte væk fra den overordnede lytteoplevelse, men kom nu, det er svært at trække på skuldrene fra dette hold: Tony Bennett, Aretha Franklin, Cream, Muddy Waters, Bobby Darin og The Shangri- Las. For at omskrive Stacks Edwards er dette soundtrack bedre end sex, skat. -Michael Roffman

halvtreds. Stå ved mig (1986)

Rob Reiners tilpasning af Stephen Kings lange novelle The Body - bedre kendt af millioner fra flere generationer som Stå ved mig - kan være den største unge voksen film nogensinde. I en alder, hvor drenge næsten ikke kan pisse ligeud, opdager fire venner, at de beslutninger, de træffer nu, og de venskaber, de bevarer meget godt, kan ændre deres liv for altid. Det centrale i de venskaber er selvfølgelig sange, som drengene hører i radioen og synger sammen. I den forstand peger soundtracket ikke så meget på et bestemt tidspunkt, som det indfanger en tid i livet, hvor drenge tilbringer deres sommerdage med at hænge ud, hygge sig, ribbe hinanden og synge sange. Så, hvor indlysende det end måtte være, ruller Ben E. Kings uudslettelige soulklassiker selvfølgelig hen over slutteksterne og minder seerne om, at de bånd, vi deler, selv dem vi knytter, før vi er gamle nok til at barbere, kan gøre hele forskellen i vores liv. - Matt Melis

49. Batman (1989)

Der var masser af musikere, der kunne have matchet den maniske energi fra Jack Nicholsons Joker i sangen, men få kunne pligtskyldigt have udforsket den mani med Princes balance og løfte. Med Batdance bringer Prince dig ind i Jokers usammenhængende og hysteriske sind, mens andre sange får hans afslappede kaos til at føles spændende og underholdende, hvilket er med til at gøre dette til den bedste version af den ikoniske skurk i næsten 20 år. Prince hjalp også Batman med at komme til live ved at lette overgangen fra print til film og give den vågne farve og dybde i Tim Burtons mørke, mørke verden. –Doug Nunnally

48. Den store Lebowski (1998)

For mange mennesker på min alder bandt Coen-brødrenes nu klassiske kidnapningskaper/bowling-epos 90'erne sammen. Og soundtracket gjorde det samme for filmen. The Coens tildelte musikalske signaler til alle de parter, der var uenige om Bunny Lebowskis forsvinden (f.eks. The Dudes tema er ofte CCR), og superproduceren T Bone Burnett sikrede sig rettighederne til mange af sangene, der giver filmen dens unikke neonbowling -gyde-fra-Mars-æstetik: Bob Dylans The Man in Me, Townes Van Zandts Dead Flowers og The Gipsy Kings' bud på Hotel California. Og selvfølgelig får vi ingen steder at se den karakteristiske Coen-stil dukke op bedre end under fyrens pornografiske bowlingdrøm, musik og tilstand takket være Mr. Kenny Rogers. Ja, ja, wooahh, ja. - Matt Melis

47. Bug (1998)

Efter at have instrueret nogle af de største hiphop-musikvideoer fra midten til slutningen af ​​90'erne, fik Hype Williams chancen for at instruere et indslag gennem Def Jams 1998-produktion, Bug . Og selvom det ikke ligefrem høstede strålende anmeldelser, gør neo-noir-retningen køretøjet med Nas og DMX i hovedrollen til et interessant ur - men i virkeligheden er det stjernespækkede soundtrack grunden til at blive ved. Jay-Z, Wu-Tang Clan og D'Angelo bidrager alle, ligesom filmens stjerner i Grand Finale, et særligt vindende nummer med Method Man og Ja Rule. Den grove, mørke produktion passer til bandelandsvolden, hvor hver af de mange stjerner støtter deres hold og kæmper for dominans i en verden fuld af stoffer og våben. —Adam Kivel

46. Lost Highway (1997)

Allerede før han udgav sine egne albums og kuraterede sin egen festival, var David Lynch ikke fremmed for kraften i en god sang. Lost Highway er et fascinerende kryds mellem Hollywood noir, industriel støj, lounge og jazz - at finde det skyggefulde hjørne i hver, ligesom filmens 90'er Los Angeles legemliggør de mørkeste hjørner af dens indbyggeres sind. David Bowies I'm Deranged i indledningen og afslutningen giver filmen en desorienterende indpakket struktur, hvor den insisterende elektronik spiller mørkt over hektiske, uophørlige optagelser af midterlinjen på en motorvej, der kun er oplyst af forlygter. De paranoiske tekster (I'm deranged/ Down, down, down) introducerer Lynchs snavsede, mystiske verden - og forbliver desværre til den bitre ende, idet de afslutter den ekstreme jazz fra hovedpersonen Fred Madison (Bill Pullman), Angelo Badalamentis klassiske partitur, og de slibende melodier af Marilyn Manson, Rammstein og Trent Reznor. —Adam Kivel

Fire, fem. Tabt i oversættelsen (2002)

At føle sig tabt er afgørende for succes Tabt i oversættelsen , og Sofia Coppola er et geni til at finde måder at vise dette frem gennem dialog og rammer, som begge modigt forstærkes gennem den nøje udvalgte musik. Ved at trivialisere de overfladiske samtaler eller få Tokyos gader til at glitre endnu lysere, er musikken der for at øge den skel, karaktererne føler. Musikken i sig selv kan fremkalde den samme følelse, hvor Airs pulserende melankoli gør det svært at væve sig gennem My Bloody Valentines tågede dis, og lader lytteren selv fare vild. –Doug Nunnally

44. Fræk dans (1987)

Fræk dans kunne have hvilet udelukkende på dengang nutidige sange og stadig leveret et fantastisk soundtrack til at styrke sin coming-of-age-historie. Ved at bruge doo-wop-giganter, R&B-legender og rockpionerer fangede den den ekspansive vækst i populærmusikken og brugte dem til at score overfyldte danse og intime øvelser. Men Fræk dans går et skridt videre og inkorporerer moderne musik, der er lige så integreret i filmens fundament som de klassiske sange selv, og det er den inklusion, der driver dette soundtrack fra ret godt til direkte fantastisk. I sidste ende er det den moderne og klassiske blanding, der hjælper med at slå denne klassiske films tidløse og varige appel ind. –Doug Nunnally

43. Good Will Hunting (1997)

Weepy er ét ord til at beskrive soundtracket til Gus Van Sants Good Will Hunting . Fyldt med tårevækkende jams af afdøde Elliott Smith lyder det dystre soundtrack, som om nogen har tappet al melankolien fra efteråret og lagt det på en enkelt skive. Sange som Angeles, No Name #3, Say Yes og Between the Bars tilbyder en genial destillation af den store bard, men så kommer du til hans Oscar-nominerede originale nummer Miss Misery og indser, hvorfor verden ligesom stoppede, da han gik bort i 2003. Det er en sang, der er lige så gribende og smuk som noget andet Gummi sjæl , og når man parrer det sammen med filmen, tager det dramaet til et helt andet niveau. Indsend passende udvalg af The Waterboys, Luscious Jackson, The Dandy Warhols, Al Green og stykker af partiture af Danny Elfman, som var på toppen omkring denne tid, og, ja, hvad med dem æbler. -Michael Roffman

42. Ondskabens hotel (1980)

For ikke så længe siden rangerede vi Stanley Kubrick's Ondskabens hotel somden anden mest uhyggelige film nogensinde. Men her er sagen, mindst 65% af den beslutning kom alene til lydsporet. For uden den ville filmen bare ikke være så psykologisk skurrende og nervøs. Sikker på, Jack Nicholsons præstation er skræmmende, og disse tvillinger vil for evigt hjemsøge vores drømme, men det er måden Kubrick og musikredaktør Gordon Stainforth væver ind i dette tapet af støj, der gør det hele så ude af denne verden. Svarende til 2001: en rumodyssé , er hele soundtracket denne excentriske samling af modernistisk kunstmusik, hvoraf de fleste var Kubrick-regulære - folk som György Ligeti, Wendy Carlos og Krzysztof Penderecki. Selv taget ud af kontekst er musikken chokerende og lyder, som om den kom fra indvoldene i en hule, som ingen nogensinde burde gå og trylle i. -Michael Roffman

41. 8 Mile (2002)

Ja, de fleste husker det 8 Mile soundtracket af en meget specifik grund: Lose Yourself, sangen, der ikke kun vandt Marshall Mathers en Oscar-pris, men blev et af de største rap-hits i den tidlige aughts-æra. Og selvom det næsten helt sikkert er det iøjnefaldende nummer på albummet, fungerer filmens soundtrack generelt som et vindue til det, der var hot på det tidspunkt. I dette tilfælde er det nemlig enhver, som Eminem sagde var hot. Obie Trice, D12 og 50 Cent får alle rigelig tid til at fremhæve Shady Records imprimatur, mens Rakim og Nas ankommer udefra for at tilføje til filmens verden. Både filmen og soundtracket er sandsynligvis endnu bedre, end du husker, og det er en artefakt fra en tid, hvor Eminem virkelig kørte rapspillet. –Dominick Suzanne-Mayer

40. Menneskejæger (1986)

Med Miami politi i sit bakspejl bragte Michael Mann alle sine postmoderne opblomstringer og new wave-lyde til sin 1986-tilpasning af Thomas Harris' koldblodige thriller, rød drage . Selv i dag, Menneskejæger er et svimlende skue, fra det perfekte skududvalg til den meditative farvepalet til det humørfyldte udvalg af 80'er-lyde uden et spor til overs. Ind imellem de dampende new age-instrumentaler af Shriekback og The Reds er undervurderede popperler som The Prime Movers' blå mærker Strong As I Am og Red 7's salig 80'er Heartbeat. Selvfølgelig rammer intet hårdere end Michel Rubinis Graham's Theme, endnu et subtilt nik af Mann til Pink Floyds Comfortably Numb (se: Craig Safran's Confrontation for Tyv ). Suk, antallet af nætter, som denne forfatter har brugt på at stirre ud i sin lejlighed i Chicago og lytte til denne sang, er ... pinligt. -Michael Roffman

39. Fodløs (1984)

Soundtracket til Kevin Bacons opus fra 1984 om at destabilisere småbyværdier gennem kraften af ​​rasende, ofte skandaløs dans, tilskyndede os alle til at sparke vores søndagssko af, lidt imod Gud, hvis de nogensinde var en. Alligevel var Kenny Loggins' kvasi-sataniske følelser næppe det eneste kildemateriale til hits Fodløs soundtracket flugter med dem. Deniece Williams opfordrede Reagan 80'erne til at høre det for drengen ved siden af ​​hende, Bonnie Tyler holdt ud for en helt, og for helvede, Footloose var ikke engang den eneste hit Loggins-single på albummet. Kom nu. Alle skåret løs. –Dominick Suzanne-Mayer

38. Venter på at puste ud (nitten femoghalvfems)

Venter på at puste ud var ikke bare et brag af et soundtrack. Det var et af de største albums i 1995, periode . Babyfaces arbejde med Exhale (Shoop Shoop) og albummets legion af andre hits blev nomineret til en Grammy for Årets Album, næsten uhørt for en kompilation. Men det er hvor fantastisk, og hvor varigt kraftfuldt, filmens soundtrack var. Med den ene ærlig-til-Gud-hymne efter den næste, den Ånde ud soundtracket overskred mediet for lydspor på en række måder. Det blev et vigtigt øjeblik i kulturen, en bekræftelse for kvinder af deres menneskelighed, deres magt og deres styrke. Det er den sjældne klassiker, der ikke kun er en klassiker på grund af filmen, den er knyttet til, men en klassiker helt for sig selv. –Dominick Suzanne-Mayer

37. Donnie Darko (2001)

Opbygning af den overnaturlige melankoli af Donnie Darko gennem sang er ingen nem opgave, selv når den er bevæbnet med gotiske klassikere som Echo og the Bunnymen's The Killing Moon. Men Richard Kellys debut skyder efter stjernerne, eller mere passende sort hul, og lander ret tæt på takket være grublende 80'er-sange og markante instrumentaler. Naturligvis er der intet, der helt sælger historiens forestående undergang som den uhyggeligt smukke version af Mad World, der gjorde Gary Jules og Michael Andrews øjeblikkelige tilføjelser til enhver respektabel coverplayliste. Når man ser filmens håbløse dysterhed, forbliver dens medtagelse i den afsluttende scene filmens mest mindeværdige øjeblik. –Doug Nunnally

36. Bryllupssangeren (1998)

Adam Sandlers 80'er-udsendelse får meget mere respekt i disse dage, end den gjorde, da den først kom i biografen i slutningen af ​​90'erne. To-binds soundtracket gør det også, og begge fortjener ros. Det er én ting at indlæse et soundtrack med 80'er-sange, vi aldrig vil glemme (selvom vi vil), men Sandler og teamet licenserede ikke bare en masse sange for at transportere os tilbage til dengang. De ledte efter musik, som de kunne omdanne til komedie, derfor er sange inkluderet for at opsætte tidstypiske gags, foreskygge cameos og selvfølgelig være sjove, når Sandler og bandet traver dem ud til bryllupper eller lejlighedsvis bat mitzvah. Filmen beder dig om at komme for musikken og blive for de jokes, musikken inspirerer til. For helvede, 20 år senere mister jeg det stadig, hver gang George bryder ind i Culture Clubs Do You Really Want to Hurt Me for anden gang i træk. De begynder at tænde på George derinde! - Matt Melis

35. The Life Aquatic med Steve Zissou (2004)

Mens Wes Anderson-soundtracks typisk svælger i nostalgi, gør de det med kloge hensigter. Til The Life Aquatic , han bruger alle de rigtige klassiske snit til at trække i hjertestrengene: Iggy and the Stooges' Search and Destroy til adrenalin-drevet action, The Zombies' The Way I Feel Inside for grief, og Gut Feeling fra Devo (via, selvfølgelig, hyppige Anderson-samarbejdspartner Mark Mothersbaugh) for jagtens hede. Men han parrer det til dels gennem outsiderens øje: Seu Jorge som besætningsmedlem Pelé dos Santos, vandrer på dækket med en guitar og synger portugisiske Bowie-covers. Og da besætningen på Belafonte endelig finder det ukendelige væsen, som de havde jagtet i det dybeste hav, er den surrealistiske, ekstreme, næsten fremmede skønhed i Sigur Rós' Starálfur det perfekte match, en tur ind i en mystisk gave. af nostalgien. - Lior Phillips

3. 4. Eventyrland (2008)

En film som f.eks. Singler brugte Seattles musikscene på det tidspunkt til at fange noget om forhold i de tidlige 90'ere. Eventyrland , løser dog udfordringen med at sige noget tidløst om ung kærlighed, delvist ved at låne en anden tids musik. Den iboende risiko kommer selvfølgelig ned på at fylde et soundtrack op med elskede sange fra æraen (mest 80'erne i dette tilfælde), der passer til tiden, men ikke filmen. Heldigvis undgår instruktøren Greg Motolla fælden og fanger nogle fantastiske øjeblikke: James og Em kører kofangerbiler til The Cure's Just Like Heaven, undslipper en barsk nat til Lou Reeds Pale Blue Eyes, og James drivvåd og venter på Em på Manhatten som Mats. 'Utilfreds løsner sig. Det handler ikke om at være nostalgisk til tiden i filmen. Disse øjeblikke gør dig nostalgisk til den tid i dit liv - når det end måtte have været. - Matt Melis

33. Kragen (1994)

Hvis du voksede op i 90'erne, er der chancer for, at der er en kopi af Kragen soundtracket sidder i dit skab et eller andet sted. Alle ejede denne skide ting, hvis ikke for det faktum, at de havde en kortvarig goth-fase, så for den simple nyhed at ville høre noget af tidens mest populære alternative rock. Men til alles ære var soundtracket virkelig godt, og ved du hvad, det er stadig ret forbandet fantastisk. The Cure's Krage -debted Burn er stadig en af ​​Robert Smiths mest undervurderede hymner, Nine Inch Nails forbedrer på en eller anden måde Joy Divisions Dead Souls, Snakedriver er som peak JAMC, og Violent Femmes har aldrig lydt mere nedtrykt end på Color Me Once. Andre steder får du et FM-hit fra Stone Temple Pilots og en valgfri B-side fra Rage Against the Machine. For helvede, hvis dette var en festivalopstilling, ville du støve dit læder af. -Michael Roffman

32. Jackie Brown (1997)

Med to berømte film under hans tynde slips vidste Quentin Tarantino-fans, at deres yndlingsinstruktørs musikalske valg var alt andet end vilkårlige. Til Jackie Brown , hans hyldest til blaxploitation-film fra 70'erne (som inkluderede en start på Pam Griers karriere), vendte Tarantino sig til de samme film for at få inspiration, idet han lånte sange fra dem og endda partituret fra filmen coffy . Som et resultat har filmen en umiskendelig musikalsk samhørighed og autenticitet, da Jackie river gennem lufthavnen til Bobby Womacks Across 110th Street, Ordell ringer op til The Brothers Johnsons Strawberry Letter 23, før han tager skraldet ud, og mest mindeværdigt begynder Max at falde for Jackie over Didn't I (Blow Your Mind This Time) af The Delfonics. Tarantinos kærlighed til både forsømte filmgenrer og musik samles her for at sprænge vores sind totalt. - Matt Melis

31. High Fidelity (2000)

Bare ved at se over tracklisten, kan du fortælle instruktøren Stephen Frears, at han knoklede utrætteligt over soundtracket til denne film om besatte musikfans, måske endda mere end Rob Gordon slider med sine egne personlige ranglister. Men det hårde arbejde betaler sig, med sange fra hele det musikalske spektrum, der holder filmen tro mod ånden i Nick Hornbys karakterer og viser rækkevidden af ​​en sand musikfanatiker, hvilket beviser, at de er lige så komfortable med plader af Smog og Stereolab da det er sange af Bob Dylan og The Kinks. Dog ikke hits, på ægte snob-manér. –Doug Nunnally

30. Den store kuldegysning (1983)

Sig, hvad du vil om filmen - Den er lam! Det er baby boomer nostalgi! det er rent faktisk ret sexistisk! - men soundtracket til Lawrence Kasdans Den store kuldegysning er en diamant. Faktisk er det en stor gammel del af platin, en der er blevet certificeret 6x gennem årene, nemlig fordi den er fyldt med tidløse hits, der dukker op på bogstaveligt talt alle bryllupsplaylister. Seriøst, du behøver ikke at se Tom Berenger kneppe sit ben, mens han forsøger at hoppe ind i en cabriolet eller sidde gennem Glenn Closes brusetårer for at vide, at et album fyldt med go-to-numre fra alle berømte Motown-kunstnere fra 60'erne og 70'erne kommer til at lyde fantastisk. Det er, hvad dette soundtrack er - et af de største hits i en æra - og selvom vi gerne vil sige, at vi aldrig ville videregive at se Jeff Goldblum uhyggeligt forsøge at have sex med enhver, han kan... vil vi meget hellere slå det her på og springe over det maudlin-drama. Fun fact: Kevin Costner er faktisk inde i spor 10. -Michael Roffman

29. Guardians of the Galaxy (2014)

Selvom soundtracket indeholder nogle overraskelser, var mange allerede hæfteklammer i andre film. Men det er ikke meningen. Filmen forsøger ikke at kapre nogen af ​​disse sange (undtagen Redbone). I stedet bruger den musikken til at vise historiens ånd frem. Nok giver sangvalgene ikke altid mening - men Værger gør heller ikke. Det er en mish-mash samling af superhelte, der absolut ikke hører sammen, og det samme kan siges om musikken, der på uforklarlig vis inkluderer The Jackson 5, The Runaways og 10cc. Forsøg ikke at give mening ud af det. Bare tab dig selv i dens klassiske glæde. –Doug Nunnally

28. Næsten berømt (2000)

Næsten berømt er ærlig i sin fremstilling af rock, som den var. Scenen var en drøm, der langsomt forsvandt ind i æteren, og selvom musikerne ikke kunne se den, kunne den idealistiske William Miller, selvom han aldrig lod den bryde sin måbende fascination. De sange Cameron Crowe valgte her afspejler denne rejse, fra brugen af ​​en kontemplativ instrumental af The Who til en gribende introspektion af Cat Stevens. Selvfølgelig, Næsten berømt ’ ånd og tema føles bedst repræsenteret i Tiny Dancer, hvilket giver historien en tiltrængt udgivelse, soundtracket et robust anker og fans en uforglemmelig scene. –Doug Nunnally

27. Boogie-aftener (1997)

Tingene bliver mørke i Paul Thomas Andersons Boogie-aftener . Meget mørk. Alligevel er det en film, du ikke ligefrem vil forlade, om ikke andet fordi det er en levende verden fyldt med så mange levende karakterer. Alligevel er en del af appellen, at det for langt størstedelen af ​​filmen er én lang 70'er-fest, der begynder ved daggry og slutter med skud. For at fremtrylle den vintage-magi lænede Anderson sig tungt på et soundtrack, der er lige så inspireret som hans casting, og fløj fra det ene disco-groove til den næste sjælfulde ballade. Faktisk er der så meget musik i filmen, at de måtte slippe to bind, og du kan ikke gå galt med nogen af ​​dem. Den første får majorerne af vejen (Marvin Gaye, The Beach Boys), mens den anden skærer til kernen (Elvin Bishop, Hot Chocolate). Sammen fanger de historiens op- og nedture, alt sammen uden at gå glip af et eneste beat. Glæd dig til det. -Michael Roffman

26. Ud i vildmarken (2007)

Tapper Eddie Vedder til at lave musikken til Ud i vildmarken var et smart træk på Sean Penns vegne. Fyren har en forbindelse til naturen, der har gennemsyret Pearl Jams musik lige fra begyndelsen. Så det var ingen overraskelse, at de ledsagende melodier til Penns tilpasning af Jon Krakauers roman af samme navn ville forbindes med historien om afdøde Christopher McCandless på måder, som ikke engang Emile Hirsch kunne drømme om. Sange som No Ceiling, Society og den Golden Globe-vindende Guaranteed kanaliserer majestæten i vores store verden og dens beskedne kraft indeni, og finder Vedder i sit mest oprindelige liv. I dag fortsætter sangene med at dukke op fra tid til anden i Pearl Jams setlister, hvilket yderligere beviser dens vedvarende karakter. -Michael Roffman

25. Blå fløjl (1986)

Selvom det er hans fjerde indslag, Blå fløjl føles ofte som David Lynchs debut. Det satte scenen for alt, hvad der ville følge af auteuren: hans drømmende meditationer om det gode vs. det onde, hans guddommelige beundring for 50'ernes æstetik og hans forbandede fine arbejde med komponisten Angelo Badalamenti og sangerinden Julee Cruise. Sidstnævnte førte til en af ​​hans største Lynchian-konstruktioner, et partitur, der fejrer Shostakovichs 15. symfoni, mens han også hylder gammeldags pop, hvad med inklusion af Roy Orbison, Bill Doggett og Ketty Lester. Men så er der Mysteries of Love, Cruises skyhøje moderne ballade, der sender alt ind i denne klare tilstand. Det er ideen, selvom den lille fisk, som Lynch fangede for år tilbage, den lille fisk, der bliver ved med at svømme. -Michael Roffman

24. Køre (2010)

Køre gjorde ikke kendte navne ud af kunstnere som Riz Ortolani og Cliff Martinez, men det var aldrig meningen. Musikken, der spiller lydspor til denne grove og sparsomme fortælling, er ikke der for at skille sig ud, den er der for at hjælpe dig med at fordybe dig ind i førerens verden, hvor hvert ord er nøje udvalgt og hver bevægelse er strategisk planlagt. Selv de sange, der kan stå for sig selv, især A Real Hero fra College, føles ufuldstændige, når de ses ude af kontekst. Ligesom driveren skal du have de organiske synth-melodier, der oplyser den mørke vej, han rejser. –Doug Nunnally

23. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino har altid været en popkultur-junkie med en påskønnelse af fortiden. Som et resultat heraf gør næsten alle hans film to ting: Giver en aftagende skuespiller en chance for at genvinde hans eller hendes svada og genbruge ældre sange, som mange måske har glemt eller ikke hørt i årevis. I Pulp Fiction , giver hans kassegravning nu klassiske filmiske parringer af Vincent og Mia, der snoer sig til Chuck Berrys You Never Can Tell på Jack Rabbit Slim's og Mia overdoserer senere, mens de rocker ud til Urge Overkills geniale cover af Neil Diamonds Girl, You'll Be a Woman Soon . Men intet topper Tarantinos genoplivning af surfguitarkongen Dick Dales 1962-version af Miserlou. Mens de hylende, fingerblødende, snavsede instrumentale spil oven på filmens åbningstekster, ved publikum allerede, at de er i gang med en pøbelfilm, der ikke ligner nogen anden. Det er bedre end at pudre din næse. - Matt Melis

22. Easy Rider (1969)

Der var masser af gode soundtracks før Easy Rider udkom i 1969, men ingen ændrede den måde, folk så på musik i film, der kan lide den. Det var ikke, at filmen pralede af sange fra Dylan, Hendrix, The Band, The Byrds og Steppenwolf - et nutidigt ensemble, der stadig er et af de absolut bedste - det var, at sangene alle var med til at fremme historien og afslørede både problemerne og modkulturens glæder. Mens film i dag måske forsøger at kopiere rockmusikkens ånd eller de sange, de vælger, Easy Rider var den ånd, på dens absolutte højde. –Doug Nunnally

enogtyve. En Clockwork Orange (1971)

Et kritisk narrativt element af En Clockwork Orange er konditioneringen af ​​filmens hovedperson mod netop den musik, der bliver brugt i dens soundtrack. I Stanley Kubricks tilpasning af Anthony Burgess’ roman bliver den ultravoldelige voldtægtsforbryder Alex DeLarge behandlet med intens, kontroversiel psykologisk konditionering, tvunget til at se endeløse scener med vold og sex, mens han lytter til sin yndlingskomponist, Beethoven. Fra det tidspunkt er enhver antydning af den musik knyttet til smerte og lidelse i hans sind, hvilket gør ham fysisk syg. For at fremkalde den samme følelse hos seerne, hopper Kubrick mellem uddrag af den niende symfoni og forvrængede, vokodede omarrangeringer af den elektroniske pioner Wendy Carlos, såvel som flere af Carlos egne kompositioner. Hendes elektroniske musik viste sig at være så inspirerende og elsket, at Carlos udgav en anden version af soundtracket. Så sjældent bliver et soundtrack til plottet, men så nedbryder denne film alle barrierer og undersøger brikkerne. —Adam Kivel

tyve. Baby chauffør (2017)

At koreografere en udførlig scene til en energisk sang er ikke noget nyt, men hvad er nyt er, hvordan Edgar Wright indrammede scenerne inden for konteksten af ​​hver sang med Baby chauffør . Sange af Queen, The Damned og Jon Spencer præsenteres alle fuldt ud, så du kan nyde det fulde skue af en biljagt-musical. Ind imellem det arrangerede kaos vækker filmen også andre ædelstene, og selv dem, der bliver lidt hugget op, får deres ret med lejlighedsdans og vaskeri. Med denne opmærksomhed og detaljer er dette ikke soundtracket til musiknørder - det er soundtracket, der skaber musiknørder. –Doug Nunnally

19. Romeo og Julie (1997)

Der er utallige gentagelser og tilpasninger af hvert Shakespeare-skuespil, og Romeo og Julie kan være den mest opdaterede. Det kræver noget særligt at skille sig ud fra flokken, og uanset filmen har Baz Luhrmann altid en hel masse særligt. For sit bud på den mest berømte rodede kærlighedshistorie skruede den australske auteur op for mætningen og kastede en håndfuld dramatiske musikalske tendenser i en blender. Ikke mange instruktører ville endda forsøge at sammensætte den sære rock fra Butthole Surfers, det humørfyldte Radiohead, de hook-glade Cardigans og neo-soulen fra Des'ree, men så Romeo + Julie trådte det hele igennem en orkesteroverbygning. Hvert sekund bliver stort, og det vakler på en eller anden måde aldrig under sin egen vægt. - Lior Phillips

18. Tilbage til fremtiden (1985)

Alene ved design, Tilbage til fremtiden er måske det perfekte soundtrack. Hit originale sange, ikoniske klassikere, et mindeværdigt partitur og et par B-sider fra legendariske musikere, det har stort set det hele på kun 10 sange. Soundtracket rækker dog ud over dette, idet det samarbejder med én klassiker og en anden helt fantastisk i én virkelig uforglemmelig scene, der næsten gør partituret og de originale hits sekundære. Tror du mig ikke

90'erne var spækket med hiphop/R&B-drevne lydspor af høj kvalitet, og et af de mere vellykkede fusionerede begge dele, der fangede tidens lyd og sampling-revivalisme med perfekt klarhed. Ice Cubes titelnummer og Dr. Dres Keep Their Heads Ringin kunne have været hits fra Fredag 's dobbelt-platin soundtrack, men albummet i det store og hele illustrerer filmens stille spænding mellem den tilbagelænede slappere æstetik og de mere grusomme realiteter i South Central. Førstnævnte får Isley Brothers, Rick James, Rose Royce og Bootsy Collins sidstnævnte, Scarface og E-A-Ski og Cypress Hill. Det er et glat, stenet, periodisk aggressivt soundtrack, der passer til en film, der handler om det samme. –Dominick Suzanne-Mayer

16. Vanilje himmel (2001)

En gang imellem kommer der et soundtrack for at løfte en film til sit sande potentiale. Indtast Cameron Crowes psykologiske mindfuck fra 2001 Vanilje himmel .... Hans bud på Alexander Amenabars Åben dine øjne finder Tom Cruise rende rundt i New York City med sin bedste klipning nogensinde. Bag ham er der dog det, der bedst kan beskrives som et satintæppe af banebrydende alternativ musik - nej, virkelig. På et tidspunkt, hvor mainstream-musikken var værst, kom Crowe her med en samling af certificeret fantastiske nye melodier, fra Barn A -æra Radiohead til God start -var Sigur Rósto Løfte sløret R.E.M., som alle var med til at definere vores post-9/11 verden. Ligesom selve filmen fungerer soundtracket som en drøm, og det glider formålsløst fra det ene excentriske nummer til det næste, og hvis du ikke er en varm rod, når Nancy Wilson klumper på hendes Elevator Beat, skal din sjæl være frosset i et højt niveau. -teknologisk videnskabslaboratorium, og det er tid til at åbne dine skide øjne. -Michael Roffman

femten. Ferris Buellers fridag (1986)

I 30 år (!!!) blev fans nægtet et officielt soundtrack, et stort gaf fra den legendariske John Hughes, der fik folk til at nøjes med fuzzy mixtapes og klodsede playlister. Hvem vil have alle disse sange, fortalte han Slikkepind i 2003 og pegede på det absurde i at parre Wayne Newton med Yello. Og de går ikke sammen, men de bakker op om Ferris' mangfoldige appel. For at yde den retfærdige fyr retfærdighed, har du brug for en retfærdig afspilningsliste, og du behøver ikke lede længere end et soundtrack, der er selvsikkert at springe fra Star wars til The Smiths, ligesom Ferris hopper fra en eksklusiv restaurant til en massiv parade. –Doug Nunnally

14. Rushmore (1997)

Instruktør Wes Anderson havde oprindeligt til hensigt at få hele soundtracket til Rushmore at være Kinks-sange. Han havde oprindeligt forestillet sig Max som en vokal og vred britisk udvekslingsstudent og troede, at The Kinks ville være den type rockband, som et barn, der bærer en blazer, kunne lytte til. Men efterhånden som projektet udviklede sig og blev mindre kinky, blev det klart Andersons uhyggelige evne til at parre populære lyde og billeder: Max's årbog (The Creation's Making Time), Hermans berusede kanonslag til The Kinks ved hans børns fødselsdagsfest, eller Max og Herman udveksler slag til The Who live. Smid Devos Mark Mothersbaughs finurlige instrumentale mellemspil og den mest passende sang, der nogensinde er blevet spillet over afsluttende tekster - Faces' Ooh La La - og du har en Rushmore Soundtrack, der er værdig til, ja, lydsporets Rushmore. - Matt Melis

13. Gør det rigtige (1989)

Mens Bill Lees partitur hænger tungt over meget af den straffende sommerdag i Spike Lees klassiker fra 1989, er det svært overhovedet at tænke på det år uden hurtigt at følge det, som Public Enemy gjorde: nummeret på endnu en sommer. PE's Fight the Power harmonerer perfekt med Rosie Perez's glubske, pinefulde åbningsdans, lige så godt som den gør senere, som den dødsdømte Radio Raheems udtryk for eksistentiel forargelse. Men selvom Lees soundtrack ville komme på denne liste alene på grund af den ene sangs ikoniske brug, har resten af ​​albummet en lige stor andel i at sætte filmens disige, svedvåde tone. Meget af filmen er sat til en blanding af det førnævnte partitur og glat R&B, den slags ting Mister Senor Love Daddy ville spille for at holde beboerne i Bed-Stuy rolige og kølige på selv de værst tænkelige dage. –Dominick Suzanne-Mayer

12. Singler (1992)

Med en baggrund i rockjournalistik er det ikke overraskende, at filmskaberen Cameron Crowes soundtracks ofte spiller som mixtapes lavet af en fyr med bedre musiksmag end de fleste. For Crowe handler det dog ikke kun om at indlæse soundtracks med dræbermateriale, der også kan skifte enheder. Singler finder den pre-berømte instruktør ved at bruge Seattles tidlige 90'er grunge-scene, ikke kun som baggrund eller popkulturel prøvesten, men som en realistisk verden, hvor han kan fordybe sine karakterer. Og gennem et soundtrack fyldt med grunge-ikoner som Pearl Jam og Soundgarden og med originalt materiale af Paul Westerberg, griber Crowe ind i en tid, men langt vigtigere, følelsen af ​​dengang. Skønt bedre romantiske komedier end Singler kan komme med, ingen, takket være Crowes soundtrack, vil bedre fange, hvordan det føltes at søge efter den perfekte person i begyndelsen af ​​90'erne. - Matt Melis

elleve. Aksel (1971)

Aksel var godt. Aksel var enorm. Aksel ændret alt. Da Richard Roundtree første gang gik ud til lyden af ​​Isaac Hayes' Oscar-vindende tema, var det et skelsættende øjeblik i Hollywoods historie. Som en af ​​de tidligste blaxploitation-film - for ikke at nævne, en af ​​genrens mest succesrige - Aksel blæste døren på vid gab for sort kultur i amerikansk film. Selvfølgelig skyldes en stor del af den succes Hayes' banebrydende score, som ikke kun toppede Billboard 200, men garanterede to Top 40-singler i Theme fra Aksel og gør din ting. Det er lidt sjovt oprindeligt, Hayes havde håbet at spille den titulære karakter på skærmen, men i virkeligheden spillede han ham alle andre steder. Det er trods alt hans arbejde, der bragte Shaft til klubberne, barerne og hjemmene i hele Amerika, hvilket skabte en bevægelse, der varede længere end filmens 100 minutter. I dag fortsætter hans arbejde med at leve videre, uanset om det er tilbagevendende musikalske signaler eller liberal sampling fra kunstnere i enhver genre fra rock til rap til EDM. Alle graver det. -Michael Roffman

10. 2001: A Space Odyssey (1968)

Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey placerer sig i en mystiker altid, et sted i den interstellare tidslinje, hvor verdens oprindelse og den fjerne fremtid er en i det samme. For at opnå den tidløse følelse valgte den legendariske instruktør en blanding af klassiske komponister, der på én gang føles statelige og kongelige, men også svimlende og desorienterende. Brug af den tyske komponist Richard Strauss' Also Sprach Zarathustra under en scene med aber, der lærer at bruge redskaber, skygger deres opdagelse med en kraftfuld, om end ildevarslende majestæt, men fortoner sig også perfekt til en scene af en rumstation, noget vi mere traditionelt ville knytte til sådan dramatisk klassisk musik. Måske mest bemærkelsesværdigt synkroniserede Kubrick en scene af et rumskib, der lægger til kaj til Den Blå Donau, en vals af Johann Strauss, mens den moderne komponist György Ligetis mikro-polyfoniske Atmosfærer giver et blændende modspil. Det 2001 soundtracket føles som at glide gennem tiden, men på den smukkeste udenjordiske måde. —Adam Kivel

09. Trainspotting (nitten seksoghalvfems)

At lytte til Trainspotting soundtracket producerer muligvis ikke præcis følelsen af ​​at være på en intens medicinhøjde som filmens hovedpersoner - men det vil helt sikkert give dig en buzz. Den elektroniske og postpunk-mix trives med pumpende beats og den slags blankøjede intensitet, der kommer i slutningen af ​​en lang nat. Og vi taler nødvendigvis heller ikke om en glad høj. Iggy kan have haft en Lust for Life, men vi ved alle, hvor det kan føre hen, synthsirenerne fra Underworlds Born Slippy signalerer, at noget kommer, og begravelsesironien i Lou Reeds Perfect Day hænger ved. Der er tømmermænd på vej - eller måske er det alt, vi har - selv gennem det høje. - Lior Phillips

08. Jo sværere de kommer (1972)

Ligesom filmen var soundtracket til denne kulturelle sensation forankret i dens sandhed. Mens Jo sværere de kommer hyldede den jamaicanske kulturs storhed, talte filmen også til de strabadser, der tyngede folket, hvilket gjorde den til en af ​​de mest varige og slående politiske udtalelser i sin tid. De fleste vil huske det nu for at åbne døren til reggae's verdensomspændende succes, men soundtrackets mest bemærkelsesværdige kvalitet var ikke kun at afsløre reggaens tiltrækningskraft, men dens iboende kraft. Soundtracket kanaliserer al folkets lidenskab og raseri, grebet af samfundsmæssig træthed, og løfter dermed filmens budskab til legendariske højder. –Doug Nunnally

07. Over kanten (1994)

I 1994 drev inderligheden for rap generelt og Tupac Shakur specifikt adskillige soundtracks på Billboard-hitlisterne, men af ​​det kritiske hiphop-øjeblik, Over kanten ramte en nerve, takket være filmens rå følelser og soundtrackets sammenhæng mellem rapkraft. Ved filmens udgivelse var Tupac i gang med at etablere sin legende, mens Suge Knight og Dr. Dre arbejdede som soundtrackets producere. Filmens fortælling om basketball som kamp og triumf viser både de strålende højder og grynede dybder, som rap kan nå, fra Tha Dogg Pounds Big Pimpin og Warren G's Regulate til Tupacs egen Pain - et højdepunkt, der giver filmens følelsesmæssige klimaks, hvor hans karakter, den skurke Birdie, bliver dræbt. —Adam Kivel

06. Amerikansk graffiti (1973)

Vil du vide den rigtige titel på Amerikansk graffiti soundtrack's Drive-Thru, er dette dobbeltalbum et totalt bang for pengene. På 41 numre får du ikke kun genoplevet George Lucas' nostalgiske portræt af Amerika fra 1962, men får en hurtig lektion i tidlig rock 'n' roll og vintage doo wop. Så det er både et stykke film-merchandise og en ægte historielektion, en der samler mere eller mindre enhver kunstner, du nogensinde ønsker at lytte til fra den æra. Der er Buddy Holly, The Flamingos, Chuck Berry, Fats Domino, The Platters, The Beach Boys, The Five Satins, for himlens skyld, det ender aldrig. Og når man ser, hvordan samlingen er blevet certificeret platin tre gange, er det ikke underligt, at MCA i det væsentlige brugte Graffiti mærke til at blive ved med at genudgive disse støvede oldies, da denne samling ikke affødte én men to opfølgninger. Oh my, det er en hel masse rocking døgnet rundt. -Michael Roffman

05. Fortumlet og forvirret (1993)

Det er ingen overraskelse, at en film om teenagere i 70'erne ville prale af et fantastisk soundtrack. Fra genkendelige hits til dengang obskure rockere og endda dybe cuts levede filmens mix uden tvivl op til sit musikalske navn (nok til at berettige to lige store bind). Men musikken er også en del af historien her, gennem radioer, højttalere og høretelefoner. Selv de sange, der er kunstigt placeret, afspejler historien, som i de mandlige og kvindelige hazing-scener. Dette gør musikken til den erfarne stjerne her, og er med til at løfte den kommende rollebesætning og lander denne film i ungdomsbiografens pantheon. –Doug Nunnally

04. Super flue (1972)

I 1971 stillede Marvin Gaye berømt spørgsmålstegn ved sit samfunds tilstand, og året efter gav Curtis Mayfield ham svaret med Super flue , et levende lydtæppe, der viste præcis, hvad der foregik. På sit musikalske højdepunkt slumrer Mayfield over ingenting og udforsker samfundets dobbelte standarder, mens han giver både ofre og rovdyr stemmer. For det meste en upartisk iagttager, bliver Mayfields vrede til tider hævet, såsom den samtidige Pusherman, og det er disse øjeblikke, hvor Mayfield løfter rollen som soulmusik, og viser, at det moralske kompas skal overholdes, selvom samfundets gråzone fortsatte med at vokse. –Doug Nunnally

03. Livvagten (1992)

Det er svært at forestille sig et soundtrack, der er stærkt afhængig af Kenny G og Joe Cocker for at komme nær toppen af ​​en liste som denne, men du kan slippe afsted med en lille smule Kenny, når du også har fået en præstation så absolut legendarisk som Whitney Houstons I Will Always Love You på Livvagten . Det nu 18x Platinum-soundtrack byder på nogle andre fantastiske Whitney-numre - I'm Every Woman og Queen of the Night har det sjovt - men egentlig taler vi om en af ​​de største vokalpræstationer nogensinde. Sangens optræden i filmen affødte utallige parodier og tilnærmelser gennem popkulturen, men Whitneys magnetisme vil aldrig blive matchet. - Lior Phillips

02. Kandidaten (1967)

Den nyligt uddannede Benjamin Braddock stirrer ned i tønden af ​​en fremtid, der forstyrrer ham. En han føler sig ufrivilligt ført hen imod, ikke ulig lufthavnens transportbånd under Kandidaten åbningstekster. Og i disse øjeblikke af uro og øget afbrydelse kommer Simons og Garfunkels bløde stemmer indforstået. De signalerer, at tiden planløst går (April Come She Will), ledsager Bens voksende forelskelse i Elaine Robinson (Scarborough Fair/Canticle) og signalerer hans fuldstændige desperation (Mrs. Robinson), da han finder ud af, at hun gifter sig med en anden. Mest mindeværdig er selvfølgelig filmens brug af The Sound of Silence. Uanset om han spiller, mens Ben sidder i bunden af ​​en swimmingpool i scuba-udstyr, eller når han og Elaine kører afsted mod en ukendt fremtid, har en sang og en film aldrig arbejdet sammen for at formidle en mere levende følelse af den usikkerhed, der følger med voksenlivet. - Matt Melis

01. Lørdag nat feber (1977)

Sjældent er albummet synonymt med en hel genre. Det er i bund og grund Lørdag nat feber , det 15x platin-sælgende, Grammy-vindende soundtrack, der ikoniserede en hel kulturel bevægelse og indfangede en æra, alt sammen i under 20 numre. Sig nu, hvad du vil om disco - seriøst, hvis du har et problem, kan vi tage det her lort udenfor og danse - men der er ingen tvivl om magten bag dette album. Det lykkedes at holde sig oven vande på Billboard-hitlisterne i 24 uger i træk - for ikke at nævne, 18 uger i træk i udlandet i Storbritannien - hvilket gør dette til et af de mest succesrige album nogensinde. Er du chokeret' største sange i deres historiekatalog fylder det meste af pladsen, fra den åbenlyse mad som Stayin' Alive, Jive Talkin' og You Should Be Dancing til de mere sensuelle ting som More Than a Woman, How Deep Is Your Kærlighed og Natfeber. Disse sange alene ville være nok til at drive dette album til legendarisk status, men så har du andre bonafide-svindlere som KC and the Sunshine Band's Boogie Shoes og Yvonne Ellimans If I Can't Have You, der deler plads med skørt lort som Walter Murphys 19. århundredes strut En femtedel af Beethoven eller David Shire Fantasi -aping Night på Disco Mountain. Det er de mest grooviest 76 minutter, der nogensinde er presset til vinyl og uden tvivl det bedste soundtrack nogensinde. -Michael Roffman