det er Følge' s 15 års jubilæum , og hele september vil vi udgive en række retrospektive stykker, der omfatter vores udgivelses egen historie - og underholdningslandskabet generelt. I dag starter vi det med vores nye og forbedrede liste over 100 bedste album nogensinde.
Åh gud, vi er tilbage igen. Det er over et årti siden, vi første gang prøvede at koge hele populærmusikhistorien ned til de 100 bedste album nogensinde. Glem alt om, hvordan meninger har ændret sig i løbet af de 12 år - hele kultur har skiftet. Selv de personer, der deltager i denne øvelse, er forskellige, da kun to medarbejdere, der var en del af OG-listen, offentliggjort i 2010, er tilbage med Følge i dag.
Forståeligt nok bliver tingene anderledes denne gang. Smag er blevet omformet, genrer er blevet født og døde væk, og den måde, vi deler betydning op gennem historien, er blevet ændret af nutidens natur. Alt dette medvirker til at sammensætte en gigant som denne, hvilket betyder rekorder, der ikke blev overvejet - eller endda frigivet — sidste gang vi påtog os denne udfordring har nu en fremtrædende placering. Til gengæld er andre store værker blevet stødt af, eller ned eller op.
Én ting forbliver dog den samme: Du er lige så uenig, som du er enig i, hvad vi har gjort her. Du kommer til at undre dig over, hvordan album X ikke berettigede omtale, eller hvorfor album Y er højere end album Z. Eller hvor pokker er kunstner W?! Vi vil ikke engang skændes med dig. Tro os, vi undrede os også over det og talte om dem og traf svære valg, ofte mod personlig overbevisning.
Nu, måske imponerer det dig ikke meget. Måske tror du, kære læser, på, at der er en endegyldig, evig, uangribelig rækkefølge af rekorder, som kunne trækkes ud af æteren med den helt rigtige metode. Hvem ved, måske har du ret. Dette er ikke den liste.
Dette er en liste, der er udarbejdet gennem timers debat, frustration, latter, samtykke og åbenbaring. Det er en, der vurderede den kviksølvværdi, der er knyttet til kunst, fra opfattelser i skabelsesøjeblikket, til retrospektiv betragtning, til indvirkningen på mode i konstant udvikling. Det er også en, der tillod glæde at være en storhedsfaktor.
Så gå videre, lob din kritik. Giv udtryk for dine følelser om, hvordan dine yndlingskunstnere blev stoppet, eller hvordan vi sprang over den ikoniske LP. Vi hilser det velkommen! Og når støvet lægger sig, er personalet på Følge vil stå stolt bag vores liste over de 100 bedste album nogensinde. Indtil næste gang.
— Ben Kaye
Forlagsdirektør
Ed. bemærk: Vælg blurbs fra den originale liste, som holdes oppe, når de er inkluderet her, de er angivet med (2010).
Grav kunstværket på denne liste'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel='noopener'>her , og en indrammet version her .
100. Jane's Addiction – Intet er chokerende
Med 1988'erne Intet er chokerende , var Jane's Addiction med til at lægge grundlaget for, hvad der i sidste ende skulle blive 90'ernes alternative rockrevolution. Lige dele tungt og æterisk er det passende, at albummet indeholder sangtitler som Up the Beach og Ocean Size, da numrene spiller som bølger, der slår ind i havet. Perry Farrells himmelske stemme, sammen med det dynamiske spil af guitarist Dave Navarro, bassist Eric Avery og trommeslager Stephen Perkins, gør Intet er chokerende et helt unikt album.
Ved at kombinere kraften fra Led Zeppelin med kunstrocken fra The Velvet Underground på numre som den eksplosive Mountain Song med sin storslåede baslinje, eller den akustiske Jane's Says med dens hjerteskærende tekster, Intet er chokerende repræsenterer et afgørende øjeblik i det, der snart skulle være et seismisk skift i rockmusikken. — Spencer Kaufman
99. Slim Washington – Himlen og Jorden
I 2015 annoncerede saxofonisten Kamasi Washington sin ankomst til mainstream-publikummet på Kendrick Lamars At pimpe en sommerfugl . Kun måneder senere cementerede han sin plads i fronten af jazzens fortrop med sin lige så ekspansive major-label-debut, Det episke , stort set udviklet sammen med sine landsmænd i Los Angeles' West Coast Get Down jazzkollektiv. Men det var opfølgningen, 2018’s Himmel & Jord , der mere præcist afspejler de højder, han kan nå fra sit opstegne headspace.
Himmel & Jord fremkalder den store skala af sin titel med et altomfattende syn på fortiden, nutiden og fremtiden for denne verden og videre. Om Washington genopliver fortiden med sit bud på Freddie Hubbards Hub-Tones, renoverer temaet fra Bruce Lee-filmen Fists of Fury med en moderne kontekst, eller skubber jazzen i en helt ny retning på den mørke groove jam Street Fighter Mas, er han konstant i samtale med en højere magt, den guddommelighed varierer bare fra den Almægtige til hans all-star gruppe af musikervenner.
Med hensyn til den voksende tilstedeværelse af spiritualitet i hans musik, Følge 's A-klassegennemgang hævdede, at hvis flere kirker spillede sange som 'Journey' og 'Will You Sing' om søndagen, ville disse helligdomme måske kun være ståpladser. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Bilhjul på en grusvej
Der har ikke været mangel på Lucinda Williams-imitatorer gennem årene - kunstnere, der håber på at få en smule af hendes grus, ynde og glød og gøre det til deres eget. Men der er kun én Lucinda Williams, og på hendes 1998 Grammy-vindende mesterværk Bilhjul på en grusvej , hun demonstrerer, hvorfor hun er et uovertruffen talent.
Lake Charles, Louisiana indfødte har en vidtstrakt diskografi, der startede i 1979 med Ramblin' on My Mind og senest med acerbic Gode sjæle bedre engle, hvilket gør det lidt af et fjols at vælge blot et af hendes albums som det bedste. Imidlertid, Bilhjul på en grusvej skiller sig ud som et kendetegn for slidt americana, en sydlandsk hvirvel af country, blues, folk og rock 'n' roll.
Det er en riff-ladet plade med en vasketøjsliste af tekster, der er skræddersyet til tatovering på din krop, der fordobles som en køreplan til sjælen i en kompliceret nation. På tværs af 13 numre, fra den sexede 2 Kool 2 Be 4-Gotten til Joy-kysset med mellemfingrene opad, lærer du et par ting om pladens centrale fortæller, men der er en lektie, der især skiller sig ud: You don ikke kneppe med Lucinda Williams. Hvis Williams er Americanas digterpristager, Bilhjul på en grusvej er et højt vandmærke af formen. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Repeater
Mens Repeater betragtes som Fugazis debut i fuld længde, havde den den skræmmende opgave at følge bandets legendariske to første EP'er (sammensat som 13 sange ). Med Repeater , dog hævede D.C.-bandet ikke kun deres egen bar, men blæste hele hardcore-punk-genren på vid gab.
Med et nik til præcisionen af post-punkers Gang of Four, Repeater er bevis på, at et band spiller uden begrænsninger. Fugazi behøvede aldrig at svare på jakkesæt, når det kom til den musik, de indspillede, takket være at hele deres diskografi blev udgivet via sanger-guitarist Ian MacKayes egne Dischord Records. Deres kemi er indlysende, hvor MacKaye og Guy Picciotto bytter vokal over dissonante akkorder, og bassist Joe Lally og trommeslager Brendan Canty giver en stabil rygrad. Disse fakta tilsammen bekræfter, at den kommercielle succes af Repeater er et biprodukt af kunstnerne selv, ikke et labels kontante plan.
Med kraftfulde hymner som Turnover og Blueprint, samt iøjnefaldende snit som titelnummeret og Sieve-Fisted Find, Repeater er et skelsættende værk af det ultimative gør-det-selv-band. — S.K.
96. N.W.A. – Lige ud af Compton
Selvom de skylder Schoolly D og Park Side Killas en vis ære for banebrydende gangsta-rap, har N.W.A. kan stolt sige, at de bragte denne stil af uberfængende, ultravoldelig hiphop til mainstream. Udgivet i 1988, Lige ud af Compton indeholdt, hvad der i sidste ende ville blive nogle af genrens største navne - Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre og MC Ren - spinde fortællinger om livet i et af LAs barskeste kvarterer over minimalistiske beats og scratching leveret af DJ Yella og Arabian Prince.
Nedskæringer som Fuck Tha Police og titelnummeret kom til at indbefatte West Coast-lyden og banede en vej, der førte til, at rapmusik infiltrerede alle husstande i Amerika. Selv hvis du var fra de mest rolige afkroge af forstaden, spændte du op, knyttede næverne og lod, som om du var klar til kamp, da du lyttede til Ice Cube åbne pladen ved at erklære, når jeg bliver aflyst/ jeg får en savet af/ Klem aftrækkeren/ Og kroppe trækkes af. N.W.A. fik dig til at føle dig hård, selvom du stadig skulle skrue ned for lyden, når din mor var hjemme. — To stråler (2010)
95. System of a Down – Toksicitet
Efter at have skabt sig et navn med deres selvbetitlede debut, nåede System of a Down nye højder med deres andet album, 2001's Toksicitet . Melodisk, kaotisk og direkte hypnotisk, albummet udvidede grænserne for tung musik. Den hektiske Chop Suey! blev et af de mest bizarre hits nogensinde på rockradio (selv med Clear Channel, der midlertidigt fjernede det fra æteren efter angrebene den 11. september), mens sange som det knusende titelnummer og de spøgende Aerials også tjente til at drive albummet til multi - platinstatus.
Serj Tankians operavokal lyder som intet andet band før dem og svæver over Daron Malakians komplekse musikalske kompositioner, hvor Shavo Odadjian og John Dolmayan danner en ubarmhjertig rytmesektion. Alt i alt, Toksicitet står som et af de fineste værker af tung musik i det 21. århundrede, hvis ikke alle tider. — S.K.
94. Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Der findes et alternativt univers, hvor Wilco aldrig udgiver Yankee Hotel Foxtrot , et album, der ikke kun ville sikre bandets plads i rockhistorien, men fundamentalt ville ændre landskabet i musikbranchen ved det nye årtusindeskifte. Ja, denne plade er oversvømmet af mytologi og baggrundshistorie, bedst indkapslet i Sam Jones' Jeg prøver at knuse dit hjerte , som tilfældigvis er en af de bedste musikdokumentarer nogensinde.
Men YHF holder ud som en klassiker over 20 år senere, mindre på grund af den viden og mere, fordi det er en samling sange, der er så pokkers stærke. Jeff Tweedy kanaliserer al sin angst og selvbevidsthed til sange som Ashes of American Flags og I Am Trying to Break Your Heart, der supplerer de tungere numre med den varme nostalgi fra Heavy Metal Drummer og hjerte-på-ærmet-romance fra Reservations, som indeholder en lyrik, der er ødelæggende direkte: Jeg har forbehold over for så mange ting, men ikke over for dig.
Det geniale ved Yankee Hotel Foxtrot er beslutningen om at tilføje lag af feedback og feltoptagelser og støj og forvrængning oven på Tweedys folk- og country- og indierocksange, der læner sig ind i det eksperimentelle i en sådan grad, at pladen sendte det alt-country-label, der havde forfulgt bandet siden. dens grundlæggelse. Fra start til slut, Yankee Hotel Foxtrot hypnotiserer og lokker, og formår på en eller anden måde at lyde som både forelskelse og verdens undergang. Det er urørligt. — S.D.
93. TLC – CrazySexyCool
Med et nyt jack swing faldet i unåde i midten af 90'erne og Lisa Left-Eye Lopez, der beskæftigede sig med personlige kampe, der holdt hende væk fra gruppen i længere perioder, fandt TLC måder at modne deres lyd på deres andet album. Genforenet med Babyface, Jermain Dupri og Dallas Austin, mens de tilføjede bidrag fra Sean Puffy Combs, Organized Noize og Chucky Thompson, øgede de hiphop- og soul-vibes for at udsende R&B-perfektion på CrazySexyCool .
Samtidig var de med til at anspore en sexpositivitetsbevægelse, der stadig udvikler sig i dag ved at tackle romantik fra adskillige vinkler: Tryst af Creep, sødmen fra Diggin' on You, XXX af Red Light Special. Ind imellem leverede de en af de mest varige advarende historier nogensinde i Waterfalls. CrazySexyCool var det Årtiets R&B-album. I dag står det som et vidnesbyrd om selvsikker kvindelighed, en erklæring, der er beseglet i rekordbøgerne som det bedst sælgende album af en amerikansk pigegruppe nogensinde og det første, der nåede diamantstatus. — B. Kaye
92. Udskiftningerne – Lad det være
Hvem skulle have troet, at fire tyve-somethings fra Minneapolis kunne producere noget så tidløst, så vitalt og så levende'https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > Lad det være , ingen gjorde. Mens alle øjne var på Prince på det tidspunkt, skabte Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars og Bob Stinson ren, uforfalsket rock and roll. Med hjertet på ærmet hældte Westerberg sin kærlighed, sit tab og sine hæmninger ind i hver eneste lyrik, node, akkord og hyl.
På Androgynous slår det første hit fra klaveret dine nerver, trækker i dine øjne, og når Westerberg synger, Future outcasts, they don't last, du er lige der ved siden af ham - i den støvede bar, inden for sent. timer af en uges nat, og uden andre at holde på end musikken. Det er alt, hvad The Replacements skulle være her, de gør det i hver tone, over 11 numre og i 33 minutter og 31 sekunder. Det er ikke et album, det er en livredder. - Michael Roffman (2010)
91. Hvem – Hvem er den næste 
Ud af alle de legendariske albums på denne liste tvivler jeg på, at mange af dem havde deres oprindelse som en forladt rockopera. Mange arrangementer og stykker af Pete Townshend er forladt Livshus projektet blev grundlaget for Hvem er den næste , et album, der ikke har noget underliggende tema eller historie. Denne følelse af frihed tillod The Who at fokusere på at lave fantastiske individuelle sange frem for en overordnet historie.
Resultatet er The Who, der vokser op i offentligheden. Sangene kombinerer den hårdtslående energi fra bandet i deres ungdom med de mere eksperimenterende elementer, der blev udforsket på Tommy . Den mest bemærkelsesværdige forbedring er Roger Daltreys stemme, der nåede højder, der kun blev antydet tidligere. Keith Moons trommesolo efterfulgt af Daltreys skrig i slutningen af Won't Get Fooled Again forbliver som et af rockens største øjeblikke.
Selvom alle kender til singlerne, fra åbningskeyboardet til Baba O'Riley til byggeakustikken i Behind Blue Eyes, er hver sang på denne plade et potentielt hit. Lyt til det eksplosive omkvæd af Bargain. Se en sjælden hovedvokal fra bassisten John Entwistle på My Wife. Med numre som disse er det nemt at se hvorfor Hvem er den næste flyttede The Who fra et fantastisk band fra 60'erne til en rocksupermagt i 70'erne. — Joe Marvilli (2010)
90. Alanis Morissette – Skarpt lille pille
De allerførste sekunder af Alanis Morissettes breakout-plade indeholder en blanding af elektrisk guitar og mundharmonika, der signalerer lige fra begyndelsen, at en ny stemme i alt-rock havde noget at sige. Og en hel generation lyttede: Hvis du var ung, kvinde og i live i 1990'erne, er der en stor chance for, at du ikke bare ejede dette album, men fik det husket fra start til slut, som Morisettes utrolige vokal og Glen Ballards stjerne. produktionsarbejde kombineres med at skrige om den vrede og forvirring, der følger med at være i live.
Årtier før Taylor Swift blev lyrisk sur på Jake Gyllenhaal over et tørklæde, mindede Alanis sin eks om det rod, han efterlod, da han gik væk, men Skarpt lille pille handler ikke kun om raseri: Hand in My Pocket leverer faktisk et noget optimistisk budskab om, at bogstaveligt talt alt bliver fint fint fint, og mens Ironic ironisk nok undlod at bruge ordet ordentligt, lykkedes det stadig at tale om dystre scenarier i en brønd, alles været der måde.
Det er et album spækket med følelser, der er svære at pakke ud, og et album, der hjalp mindst én teenagepige, der lyttede til det på repeat, til at føle sig lidt mindre alene. — Liz Shannon Miller
89. Green Day – Dookie
Green Day brød ind i mainstream med Dookie , perfekt timet til at komme hot på de Doc Martens-klædte hæle på grunge-scenen. Det californiske band med Billie Joe Armstrong i front og rundet af bassist Mike Dirnt og trommeslager Tre Cool fik succes ved at fusionere den anti-establishment karakter af sine punkrockrødder med en grunge-optræden, bakket op af iørefaldende popmelodier og hooks. Ved at udforske alt fra panikanfald til onani til biseksualitet, slog teksterne en akkord hos fans i alle aldre og placerede Green Day som det moderne punkband for masserne.
Udgivet i 1994 fik bandets tredje og bedst sælgende album kommerciel succes, og nåede nr. 2 på Billboard 200-hitlisten og scorede en Grammy for bedste alternative musikalbum. Bandet blev anklaget for at sælge ud af tidligere tilhængere af den underjordiske punkscene, men Dookie fundet en måde at genoplive interessen for de originale punklegender ved at fungere som en entry-level-plade og give en stemme til oprørske teenagere, som faktisk ikke havde meget at gøre oprør imod i den relativt rolige midt-1990'er. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane – Rejse i Satchidananda
Som man kan prøve, er det næsten umuligt at diskutere Alice Coltrane uden at opdrage sin afdøde mand. Selvom John Coltrane havde en ubestridelig indflydelse på hende og hendes arbejde, var hun allerede en dygtig kunstner længe før de mødtes og blev forelskede. Som Coltrane engang sagde, lærte John mig ikke kun at udforske, men at spille grundigt og fuldstændigt.
Selvom det ikke var det første album, Coltrane udgav som soloartist efter hendes mands død, Rejse i Satchidananda er uden tvivl hendes mest ærede. Det er et værk inspireret af spiritualitet, der føles både æterisk og råt, og som tager dig gennem skyernes bløde poetiske majestæt via Coltranes harpe og klaver, og jordens fine grus via Pharoah Sanders' sopransaxofon.
Nogle elementer, som den drønende tanpura og Coltranes krystallinske harpe på åbningstitelnummeret, står fremtrædende. Andre, som Rashied Alis trommer og Cecil McBees bas, er mere subtile. Coltrane var på ingen måde den første vestlige jazzkunstner, der bragte østlige lyde ind i hendes fold, men disse stykker føles aldrig, som om de gør opmærksom på deres kontraster. Som med alle gennemførte ensembleværker skinner hver del individuelt og sammenhængende.
Bare lyt til samtalesamspillet mellem klaver og bas på Stopover Bombay, eller hvordan Vishnu Woods hektiske klimring af oud blander sig med Sanders' kosmiske sax på live closer Isis og Osiris. Stykkerne passer alle sammen, men meget af dets storhed ligger i, hvordan de nægter at stivne, hvor Coltrane og hendes samarbejdspartnere omfavner generøsitet, mens de bevarer autonomi. Rejse i Satchidananda er et overjordisk album, der aldrig føles som om det er for langt uden for vores rige. — Jeg er Kenny
87. Slayer – Regere i blod
Mens andre thrash metal-bands fra 80'erne begyndte at udvide deres lyd med tekniske og progressive opblomstringer, forsøgte Slayer at destillere den til sin essens. Udgivet i 1986, Regere i blod var mager og ond: Kun to af dens 10 numre bryder tre-minutters-mærket - et vidnesbyrd om den præcision og hastighed, hvormed de blev spillet.
Med produceren og dedikerede metalhead Rick Rubin bag brædderne var den noget skrøbelige lyd fra bandets tidlige 80'er arbejde væk, og præsenterede det buldrende dobbeltkick fra trommeslageren Dave Lombardo og Jeff Hannemans og Kerry Kings tvillingguitarangreb i ren hi-fi (uden rumklang og effekter, der daterer mange metalalbum fra æraen).
Fra Tom Arayas øre-piercing skrig, der starter Angel of Death til de sidste dråber af Raining Blood, Slayer holder et ubønhørligt tempo, der bliver til en mareridtsagtig sløring. Uhyggelige emner, såsom den tidligere sangs lyriske grublerier om den nazistiske læge Josef Mengele og andre blodige emner, tilføjer kun den atmosfære af ondskab, der emmer af Regere i blod når du taber nålen.
Hannemans varemærke atonale riffs afføder de spastiske, improvisatoriske guitarsoloer fra Kerry King, hvilket fremmaner en følelse af kaos og morbiditet. En ære for Rubins rå produktion, albummet lyder brutalt intenst den dag i dag, uskadt af tid - en hellig artefakt af ekstrem metal i sin tidligste form. — Af Jon Hadus
86. Pearl Jam – Ti
Mærket af grunge-gudfar Kurt Cobain som en kommerciel udsalgsindsats, Ti endte som affyringsrampen for 90'ernes alternativ rock. Opstået af asken fra den tragisk kortlivede Mother Love Bone, tilføjede guitaristen Stone Gossard og bassisten Jeff Ament klassiske rockteksturer til Seattle-lyden med hjælp fra guitaristen Mike McCready (og en håndfuld midlertidige trommeslagere, inklusive Matt Cameron). Deres fem-spor Stone Gossard-demoer '91 til sidst ville vokse til Ti – de manglede bare nogen til at sætte stemme til deres kompositioner.
Indtast Eddie Vedder. Forsangerens følelsesladede knurren og hyl (Why Go, Black) og oprigtigt hjerteskærende lyrik (Jeremy, Release) afspejler musikkens voldsomhed og multiplicerer dens kraft. Kombinationen af den udpræget passionerede vokale tilstedeværelse med de fængende riffs og skyhøje soloer fra Gossard og Aments sangskrivning etablerede en frisk standard for, hvad rock betød i det nye årti. Den havde al den angst og mørke, som grunge var kendt for - både i teksten og dens tunge lyd - men med stadionklar ekspansivitet og en vokalist bestemt til ikonstatus.
Pearl Jam selv har sjældent matchet intensiteten af deres debut, endsige mest rock i de tre årtier siden. — B. Kaye
85. Tupac – Alle øjne på mig
Fra den sociale kommentar fra den stadig relevante Brenda's Got a Baby til det uhæmmede raseri af Hit 'Em Up og alt derimellem, forbliver Tupacs rækkevidde som rapper uden sidestykke. Mens man rammer studiet for Alle øjne på mig Pac slap dog alle sine indestængte frustrationer løs til at skabe en større end livet gangsta-rap-persona efter at være blevet befriet fra Rikers Island af sin nye Death Row-boss Suge Knight.
Ingen ville repræsentere vestkysten hårdere end han var, som demonstreret af Ambitionz Az a Ridahs uforfalskede aggression og samarbejder med labelmates Dr. Dre (California Love) og Snoop Dogg (2 fra Amerikaz Most Wanted). Dobbeltalbummet gav dog også Pac rigelig plads til klubhits som How Do U Want It og introspektionen af I Ain't Mad at Cha - for ikke at nævne showcases for hans gruppe The Outlawz som Thug Passion.
Produktionen af Dre, DJ Pooh, DJ Quik og Johnny J afsluttes Alle øjne på mig ved endelig at tilbyde Pac et soundtrack, der fuldt ud kunne matche hans talenter. Selvom den 27-sange, 133-minutters ode til gangsta-livsstilen ikke er uden vorter, løfter Pacs brændende passion albummet til et andet niveau. Et mesterværk behøver ikke at være perfekt for at klare tidens tand, og Alle øjne på mig har gjort præcis det. — Eddie Fu
84. Smashing Pumpkins – Mellon Collie og den uendelige tristhed
Med respekt for 1979, som udstråler et nostalgisk stjernestøv, der mærkes dybt af store dele af generation X, er det måske den dusinbedste sang på Mellon Collie og den uendelige tristhed . Fast i formen af Væggen eller det hvide album (hej, farvel og godnat), Smashing Pumpkins' tredje album repræsenterede deres ubestridelige højtid før en medicin – og ego-induceret flammer ud (skønt Tilbede og Maskine har deres undskyldninger).
Pointen med Pumpkins havde hele tiden været repræsentationen af hele femininitet og maskulinitet, af en kloge finurlighed til aggro brutalitet - og meget ligesom Beatles' berømte dobbeltalbum, Mellon Collie indeholder stort set hele spektret af den menneskelige oplevelse i sine 28 spor. Selv det berygtede dæmpede masteringjob kan ikke kvæle sin skønhed: Har endnu et album lydt mere stille jo mere du skruer op for lyden'https://www.imdb.com/title/tt0701127/' >Homerpalooza, hitsene holder mere end stand: Vi husker alle den første gang, vi hørte at skrige i Kugle med sommerfuglevinger.
Bedst af alt 
Chrissie Hynde, en amerikansk expat, der bor i London, havde forsøgt at finde sin plads, både i musikindustrien og i verden. Men imponerende demoer førte til, at hun blev positioneret som en stjerne i støbeskeen. Blot fire dage før 70'erne ville slutte for altid, udgav Hynde and the Pretenders deres selvbetitlede debut. Bortset fra nysgerrig planlægning, var det et album, der var for imponerende til at gå tabt i shuffle efter ferien. Og ganske vist pakkede bandet køller kort efter.
Profiling Hynde and co. for Rullende sten i 1980, beskrev Kurt Loder Pretenders som subtilt opsigtsvækkende. Det er velegnet til et album, der ser ud til at bære punkens pynt (ligetil albumkunst, fuzzy riffs), men som snart afslører, hvor meget mere det har at gøre for det, både kunstnerisk og følelsesmæssigt. Selv i et overfyldt felt er der noget ved de første par barer af åbneren Precious, der fortæller os, at noget særligt foregår her.
Selvom de riffs og fills kunne replikeres med nok øvelse, er der ingen kopiering af Hynde og den følelse, hun formidler. Hynde udtrykker triumf, raseri, ømhed, frygt og mere og sætter dig inde i sit hoved, genkalder smertefulde minder og beskriver utrolige fortællinger, som om hun havde lavet en ad hoc-lydbog. Du kender måske Brass in Pocket bedst, men Pretenders er fra start til slut et ægte mesterværk. — M.K.
82. Peter Gabriel- Så
Peter Gabriels to udgivelser før Så , begge kaldte peter gabriel , var skelsættende prog-rock-album. På disse bestræbelser brugte Gabriel den nyeste optagehardware til at komponere med samplede lyde samt musik og rytmer fra kulturer, der aldrig før havde været integreret i vestlig musik. Gabriel var ved at bryde betagende ny jord, og med Så , bragte han sine soniske opdagelser til mainstream.
Så er et skelsættende popalbum, der overvælder lyttere med følelsesladede og rytmiske sange, der trækker fra hjertet af den menneskelige ånd. Som eksempel kan nævnes nummer 1-sangen, der skal spilles uden for nogens vindue, In Your Eyes: Gabriels stemme og tekst er rå og lidenskabelig med enkle, men overvældende kraftfulde billeder. Afrikanske rytmer holder sangen i live og væk fra den saftige vej, så mange kærlighedssange betræder, og den svævende vokal fra den senegalesiske sanger Youssou N'Dour overskrider sproget med ren fest.
Dette tema om følelsesmæssig, grænsebrydende, menneskelig kommunikation gennemsyrer alle Gabriels værker, men er stærkest i Så , hvor den bliver ved med at røre flest mennesker. Når Gabriel skriger, kun kærlighed kan elske i That Voice Again, kan selv den mest kyniske lytter ikke lade være med at føle noget snurren af sandhed.
Numre som Red Rain, Mercy Street og Don't Give Up (en duet med Kate Bush) opererer i den modsatte ende af spektret og diskuterer sårbarhed, svaghed og chancen for at fortsætte. Så rummer endda et par avantgarde-numre såsom det nervøse We Do What We're Told (Milgrams 37) og det humørfyldte This is the Picture (Excellent Birds), som er skrevet og fremført med Laurie Anderson.
Og selvfølgelig kender alle Sledgehammer og dens enestående musikvideo. Intet berusende koncept der, bare ren sjov og en genial genvision af Motown-sjælen. Afhængigt af din sindstilstand, når du lytter til det, Så vil enten efterlade dig opladet eller slidt. Uanset hvad er det en god følelse. — Cat Blackard (2010)
81. Adele – enogtyve
Udtrykket kulturel nulstilling blev overbrugt på et vist tidspunkt, men hvis det gælder nogen steder i denne samtale, er det for Adeles enogtyve . På trods af sangerens eksisterende præstationer forud for albummets udgivelse var den verdensdominerende succes ved enogtyve var noget af en overraskelse, det var lige så sjældent dengang, som det ville være nu, at et følelsesladet, til tider mørkt, bluesagtigt, melankolsk album ikke bare gjorde det godt på hitlisterne, men forbliver det bedst sælgende album i to på hinanden følgende år. LP'en er krediteret for at hjælpe med at revitalisere det fysiske salg for en branche, der skiftede til at streame topsalgslister i mere end 30 lande, det er klart, at 21 var noget, vi alle skulle have i hænderne.
Albummet er bookende med, hvad der nu kan betragtes som to af århundredets mest genkendelige sange: Rolling in the Deep og Someone Like You. To yderpunkter, produktionsmæssigt, men hvad de har til fælles er, at Adeles utrolige stemme er front og center. Tilføj det skarpe Rumour Has It, den katartiske Set Fire to the Rain og de gennemtrængende Turning Tables, og Adele viste sig som en sangskriver, der er stærk nok til at matche hendes ubestridelige vokal. Sangene foreviget i enogtyve er så nærværende, så presserende og menneskelige, fordi Adele Adkins åbnede sit hjerte og delte alt med os.
Albummet er hjemsøgt, både af en mislykket kærligheds spøgelser og af minder, der ser ud til at forsvinde, så snart de dukker op. På trods af de personlige detaljer krydret hele vejen igennem enogtyve , det er et hjerteknusende album, der har kapacitet til at blive universelt forstået. — Mary Siroky
80. Erykah Badu - Beduinisme
Titlen på Erykah Badus upåklagelige debutalbum lyder, som om hun forsøger at starte en bevægelse. Og det var hun på en måde. taler til MTV News , Badu specificerede det Beduinisme blev designet til at få dig høj. Ikke en forbigående, kunstig summen, men en altomfattende rejse i sindet og selvet, som vi sandsynligvis aldrig kunne begynde at forestille os, og ikke en religion...en oplevelse.
Det kan virke temmelig hyperbolsk for en samling af sange fra en kunstner, der netop var ved at udgive sit første album. Men Badu lover ikke paradis eller guddommelig sandhed, bare en oplevelse. Og Beduinisme er en berusende. Et af, hvis ikke det mest, ærede album i neo-soul-subgenren, det er unægtelig et tegn på sin æra, mens det stadig føles frisk. Fra den sitrende raslen fra Questloves trommer på den melodramatiske Other Side of the Game til den struttende bas på den trodsige. Lydene og Badu understøtter bestemt hinanden smukt.
Der tilbydes også støtte til lytteren. Badu er en for god forfatter til at give sit budskab, at hendes kampe, og hvordan hun fortæller dem, er så meget forståeligt uden at falde i tomme, generiske floskler. Ikke alle følelser er ordnet i slutningen af det, men Beduinisme gør det tilfældet, at rejsen til svar på livets største spørgsmål er lige så vigtig som selve svarene. — M.K.
79. Politiet – Synkronicitet
For enhver gruppe, der spekulerer på, hvordan man laver en exit, skal du ikke lede længere end Synkronicitet . The Polices sidste gruppealbum udkom i 1983 og indledte på en måde lyden af årtiet. Albummets store afhængighed af synth viste verden fremtiden, da gruppen skabte musik, der virkelig var lige så stor som deres ry. Hvert åndedrag du tager. Viklet om din finger. Kongen af smerte. Synkronicitet II. Det er sange lavet til stadioner, der varslede Stings fremtid.
I stedet for bare at holde sig til deres spillebog med reggae, jazz og punk, Synkronicitet finder, at gruppen skaber deres egen vej og beder alle andre om at tage med, hvis de kan. Det er et modigt træk for det største band i verden ikke kun at afslutte deres løbetur, mens de er på toppen af bjerget, men at ændre alt, hvad folk vidste om dem i processen.
Den eneste grund til, at det virkede, er, at musikken var, og stadig er, ubestridelig. Det er sjovt, hvordan en gruppe, der startede som en del af Storbritanniens new wave og punkscene, blev synonym med popmusik. Teksterne er ikke mere tilgængelige end normalt, emnerne er ikke lettere (tjek Every Breath ...), og produktionen er ikke mindre kompliceret. Men på en eller anden måde Synkronicitet Det lyder bare som om det er lavet til MTV.
Stings vokal viser også mere dybde her, næsten som om han varmede op til sin solokarriere. Dette var ikke planlagt som gruppens sidste album, men frontmanden - sammen med en lang række andre livsfaktorer, der kom i vejen for gruppeharmoni - gjorde det sådan. I Stings sind var dette album deres højdepunkt, og der var ingen måde at toppe det på. Ikke for ingenting, men han havde ret. — Marcus Shorter
78. Billy Joel – Den fremmede
Med en rimelig mængde frekvens kan du finde en kunstners definerende sang på deres bedste album. Men det er ikke tilfældet for klavermanden, Billy Joel. Det nummer kom på hans anden LP, som han fulgte op med et par plader, der underpræsterede så meget, at Columbia truede med at droppe ham. Måske gav den fare Joel en intet mindre at miste-attitude, han var så ubøjelig, at hans nye turnerende band optog med ham på hans næste album, at da hans førstevalg som producer, George Martin, ville bruge studiemusikere, afviste Joel ham.
Og det viste sig at være det rigtige træk. Sammen med producer Phil Ramone, sammensatte Joel og hans band Den fremmede , der står som den bedste samling af numre i hitmagerens karriere. Scener fra en italiensk restaurant er blevet lige så signatur som Piano Man, selvom de aldrig er blevet udgivet som single. Just the Way You Are tog med hjem Record og Song of the Year Grammys, Movin' Out (Anthony's Song) er en certificeret klassiker fra amerikansk drømmeoprør, og Only the Good Die Young er stadig lige så udbredt i årbogs-afsendelsescitater, som den gjorde, da Kristne grupper krævede, at det blev forbudt i radioen.
Der er måske ikke et mere splittende popikon i musik, men jeg udfordrer dig til at lytte til Vienna eller She's Always a Woman og sige, at Joel ikke var på højden af sine kræfter på Den fremmede . — B. Kaye
77. JAY-Z – Det sorte album
Stop os, hvis du har hørt dette før: JAY-Z gik på pension. Hiphop-tilhængere ved, at Shawn Carter's altid havde haft en exit i tankerne siden hans første album i 1996. Men som han siger på 2003's Det sorte album , spillets tiltrækning var for meget at ignorere.
I det meste af de syv år mellem ’96-’03 var han en af genrens dominerende skikkelser. Selv på hans sidste album er den konkurrencesult stadig til at tage og føle på. PSA, What More Can I Say, Threats og 99 Problemer viser hans finjusterede lyriske dygtighed. 4. december og Moment of Clarity giver personlig og professionel indsigt (Sandt, jeg vil gerne rime som Common Sense/ men jeg gjorde 5 Mil, I ain't been riming like Common since), mens Change Clothes and Dirt Off Your Shoulder illustrerer en udvikling i laver hitrekorder.
Change Clothes er ikke en sang, Jay kunne lave i ’98 eller ’99. Alene indholdet viser, hvor meget han voksede personligt fra Big Pimpins dage. På trods af hvisken om overfladiskhed på det tidspunkt, kortlagde de, der virkelig lyttede, Jays forandringer gennem hans karriere, med Det Sort album står som toppen af den metamorfose. Selvfølgelig har vi fået flere album siden, og vi får nok et mere, når du er færdig med at læse dette. Men i 2003, da en yngre skare af rappere ledet af 50 Cent lavede bølger, og Jay opfyldte sine kontraktlige forpligtelser over for Def Jam, mens han afsluttede sin karrierefortælling, var det virkelig det perfekte tidspunkt at sige farvel. — M. Kortere
76. The Smiths – Dronningen er død
Hvis du ikke allerede var klar over det, opfandt Morrissey at være ked af det. Okay, egentlig ikke. Men den mand, der er født Steven Patrick Morrissey og hans tøffe bande af arbejderklassemænd fra de dystreste og gråeste dele af Manchester, kaldet The Smiths, dyrkede længe et så specifikt mærke af at være trist og ensom med deres musik, at det næsten er umuligt at huske, at sorg eksisterede Før Dronningen er død .
Kombinationen af Morrisseys skæve og vittige tekster om kærlighed (og også det evige fravær af den), følelsen af en uendelig ensomhed, men manglen på lyst til nogensinde at rette op på det, og Johnny Marrs karakteristiske guitarspil gør denne plade til en varig klassiker. Sangskrivningen, der altid er melodisk med Morrisseys øjeblikkeligt genkendelige barytonstemme, er klog og mørk og sørgmodig og selvironisk - noget som alle post-Morrissey-tekstforfattere har forsøgt og undladt at efterligne.
Moz råber på bandets kritikere i The Boy with the Thorn in His Side og Cemetry Gates, mens Never Had No One Ever og I Know It's Over er nihilistiske oder til evig ensomhed. Så kommer selvfølgelig albummets kronjuvel: There Is a Light That Never Goes Out, hvor Morrissey tør eksperimentere med en sjælden optimistisk tilgang til kærligheden - men som uundgåeligt alligevel ender med døden.
Alligevel er det den ultimative romantiske hymne: Og hvis en dobbeltdækkerbus/ styrter ind i os/ At dø ved din side/ Er sådan en himmelsk måde at dø på. Drømmer vi ikke alle om en kærlighed så altomfattende, at vi hellere vil blive ramt af en bus i stedet for at fortsætte med at leve uden dem